Dicas para Dominar os 12 Princípios da Animação

Entender os 12 princípios da animação é essencial para qualquer pessoa que trabalhe com animação, pois eles são a chave para dar vida a personagens e objetos animados. Mesmo que alguns desses princípios se tornem triviais para animadores experientes, aplicá-los conscientemente deixa suas animações mais envolventes, realistas e visualmente impressionantes.

Neste artigo, vamos apresentar os 12 princípios da animação e compartilhar dicas de como aplicá-los em suas animações 2D usando ferramentas digitais, como o Clip Studio Paint. Comece praticando com projetos simples, como uma bola quicando, um ciclo de caminhada de personagem ou animando uma ilustração que você já tenha.

Os animadores da Disney, Ollie Johnston e Frank Thomas, foram os primeiros a apresentar os 12 princípios da animação em seu livro “Illusion of Life: Disney Animation”. Baseados em técnicas usadas nos estúdios Disney desde a década de 1930, esses ensinamentos foram criados originalmente para animação tradicional desenhada à mão, mas continuam influentes em todos os tipos de animação digital.

Vamos conhecer os 12 princípios da animação, um por um.

1. Squash and stretch (esticar e comprimir)

O princípio de Squash and Stretch (esticar e comprimir) é um dos mais importantes da animação, usado para mostrar o peso e a flexibilidade de um objeto em movimento. Por exemplo, quando um objeto se desloca pelo ar, ele pode se alongar para parecer mais fino e comprido, transmitindo sensação de movimento, e depois se achatar e alargar ao colidir com outro objeto. É importante lembrar que o volume total do objeto deve permanecer constante ao aplicar esse princípio.

Além disso, o squash and stretch também pode ser usado em expressões faciais para criar efeitos exagerados e mais expressivos, deixando os personagens mais vivos e cativantes.

Como aplicar o Squash and Stretch: esse princípio fica fácil de entender com uma animação simples de uma bola quicando. Usar o recurso de onion skin em aplicativos de animação, como o Clip Studio Paint, para visualizar os quadros adjacentes ao mesmo tempo e ajuda a garantir que o volume do objeto permaneça consistente durante o movimento.

2. Antecipação

Anticipação é o momento que prepara o público para uma ação que está por vir, usando movimentos sutis. Pode ser, por exemplo, um jogador puxando o braço antes de lançar uma bola ou um personagem olhando para fora da tela antes da chegada de outro.

Adicionar momentos de antecipação em suas animações faz com que a sequência de ações fique mais natural e fluida. Sem a antecipação, os movimentos podem parecer bruscos ou estranhos.

Dicas para aplicar a antecipação: planeje as ações antecipatórias já na etapa de storyboard, assim você consegue controlar melhor o tempo e o impacto da animação final. Estude referências em vídeos reais, em vez de imagens estáticas, para observar toda a transição do movimento, da antecipação ao follow-through.

3. Staging (Composição Cênica)

O princípio de staging (composição cênica) na animação é parecido com o staging no cinema. Ele consiste em direcionar a atenção do público para o que realmente importa na cena, destacando o ponto principal de foco. Ter um bom entendimento de enquadramento e composição é essencial para aplicar esse princípio corretamente.

Para um staging eficiente, use o movimento para guiar o olhar do espectador e reduza distrações no fundo. Luz e sombra, a posição dos personagens principais e o ângulo da “câmera” ajudam a criar uma composição clara e envolvente.

Dicas para aplicar o staging: utilize a câmera 2D para manter os personagens principais centralizados na tela, mesmo quando eles se movem. Também é possível aplicar efeitos em camadas separadas no fundo caso ele distraia do movimento do primeiro plano.

4. Ações de straight ahead (ação direta) e pose to pose (pose a pose)

Straight ahead e pose to pose são duas abordagens diferentes na animação. No straight ahead, você anima quadro a quadro em ordem consecutiva. Isso pode gerar uma sensação mais espontânea e orgânica, mas pode ser mais difícil controlar o enquadramento ou as proporções.

Já o pose to pose consiste em desenhar primeiro os quadros-chave, como a primeira e a última pose e momentos-chave específicos, e depois preencher os quadros intermediários (“in-betweening”). Esse método é ideal para cenas que exigem mais controle da composição, como cenas emocionais ou dramáticas.

Na prática, os animadores costumam combinar os dois métodos, dependendo do objeto ou personagem sendo animado.

Dicas para aplicar straight ahead e pose to pose: use os recursos de onion skin (casca de cebola) e mesa de luz no Clip Studio Paint para conferir os quadros subsequentes, seja ao trabalhar com keyframes ou animando quadro a quadro.

5. Follow-through (arrasto) e overlapping action (sobreposição de ação)

Follow-through e overlapping action são princípios que deixam sua animação mais complexa e realista, incorporando o conceito de inércia.

O follow-through mostra como partes mais leves de um objeto continuam se movendo depois que o personagem para, retornando gradualmente ao centro de massa. Por exemplo, o cabelo ou roupas soltas de um personagem podem balançar para frente quando ele para de correr.

A overlapping action mostra como diferentes partes de um personagem se movem em velocidades distintas. Por exemplo, ao caminhar ou correr, o cabelo, a cabeça ou os braços podem se mover em ritmo diferente das pernas.

Dicas para aplicar follow-through e overlapping action: separe as partes do personagem em camadas diferentes para animá-las individualmente e controlar o tempo de cada elemento na timeline. Se houver muitas camadas, use cores diferentes nas janelas e nas camadas para organizar e gerenciar melhor o projeto.

6. Slow in e slow out (aceleração e desaceleração)

Slow in e slow out é um princípio que ajuda a transmitir a sensação de momentum. Conforme um objeto ganha ou perde velocidade, o início e o fim do movimento geralmente são mais lentos do que o meio.

Na animação, isso pode ser feito adicionando mais quadros no começo e no final do movimento. Quadros próximos deixam o movimento mais lento, enquanto quadros espaçados criam uma sensação de velocidade.

Dicas para aplicar slow in e slow out: use a timeline para adicionar quadros e controlar o tempo da animação. Ajuste o espaçamento entre os quadros para modificar a velocidade e o ritmo do movimento.

7. Arco

A maioria dos objetos na vida real se move em trajetórias curvas, formando arcos, devido à gravidade ou ao centro de movimento. Para criar animações com movimentos naturais, procure seguir caminhos arqueados.

As exceções incluem movimentos mecânicos, que geralmente são retos, e movimentos muito rápidos, cujos arcos tendem a se achatar.

Dicas para aplicar arcos: para manter o movimento dentro de uma trajetória natural, desenhe uma linha guia do arco ao criar seu storyboard. Configure essas camadas guia como camadas de rascunho para que não apareçam na animação final exportada.

8. Ação secundária

Ação secundária é o princípio de adicionar movimentos que complementam a ação principal, tornando a animação mais dinâmica e cheia de nuances.

Ações secundárias podem ser movimentos físicos, como o vento balançando o cabelo de um personagem, ou reforçar emoções na cena. Esses pequenos movimentos não devem distrair da ação principal, mas sim complementar e enriquecer o conjunto da animação.

Dicas para aplicar ações secundárias: assim como na overlapping action, mantenha as partes do personagem em camadas separadas para facilitar a adição e o ajuste dos movimentos secundários.

9. Timing

Timing (tempo de animação) refere-se ao número de quadros dedicados a uma ação específica. Mais quadros criam a sensação de movimento mais lento, enquanto menos quadros fazem os movimentos do personagem parecerem mais rápidos.

Ao definir o timing de cada parte da animação, utilize referências para encontrar a cadência correta.

Dicas para aplicar o timing: use a timeline para controlar o espaçamento dos quadros e ajustar a velocidade ou o tempo de cada movimento.

10. Exaggeration (exagerar)

Embora o realismo e a observância das leis da física sejam importantes, o princípio de exagerar nos lembra de trazer mais energia e dinamismo às animações, exagerando personagens e objetos.

Excesso de realismo pode tornar a animação monótona ou sem graça, por isso é importante encontrar maneiras de exagerar em elementos do design do personagem, expressões ou movimentos.

Dicas para aplicar o Exaggeration: existem várias formas de usar esse princípio nas suas animações. Você pode combiná-lo com outros princípios, como squash and stretch mais acentuado ou trajetórias de movimento mais marcantes. Também é possível exagerar no próprio design dos personagens, ampliando características específicas para torná-los mais expressivos e cativantes.

11. Solid drawing (desenho sólido)

Solid drawing consiste em aplicar em suas animações substância, peso e volume adequados ao interagirem com o espaço 3D. Esse princípio é especialmente importante nas poses-chave. Ao planejar os movimentos de um personagem, considere como a forma e o centro de gravidade influenciam sua movimentação.

Dicas para aplicar solid drawing: antes de começar a animação, desenhe personagens com formas convincentes e pense em como eles irão interagir de forma realista com o espaço tridimensional. Criar turnarounds e diversas poses do personagem ajuda a compreender melhor sua estrutura e a animá-lo de forma mais consistente e realista.

12. Appeal (apelo visual)

Appeal é o princípio de tornar seus personagens cativantes e interessantes. Isso pode ser alcançado não apenas pelo design do personagem, mas também por suas expressões, gestos e forma de se mover. Independentemente do gênero, seus personagens devem ser envolventes para o público. Isso vale até mesmo para vilões e personagens secundários — não concentre todos os esforços apenas no protagonista!

Dicas para aumentar o appeal: confira nosso artigo sobre design de personagens para aprender a criar personagens mais atraentes. Você também pode praticar desenhando seus personagens em diferentes poses-chave e expressões, pensando em maneiras de maximizar seu carisma.

Agora você conhece os 12 princípios da animação! Experimente aplicá-los nos seus projetos com a versão gratuita do Clip Studio Paint e deixe suas animações mais expressivas e profissionais.