Como Produzir uma Animação: Habilidades e Dicas Essenciais

Seja você um aspirante a animador querendo dar os primeiros passos em um projeto completo ou alguém que já tem experiência e quer levar suas habilidades para o próximo nível, você está no lugar certo!

Neste guia completo sobre produção de animação, vamos abordar dicas de produção, recursos essenciais e outros tópicos importantes. Nosso objetivo é ajudar você a entender melhor o mundo da animação e aprimorar suas técnicas!

Para produzir uma animação, você vai precisar desenvolver uma variedade de habilidades por meio de estudo e prática.

Além das habilidades de desenho, é importante ter conhecimentos em gestão de projetos e soft skills para acompanhar cada etapa do processo de animação. Mesmo que você queira criar suas animações sozinho isso é indispensável, pois um bom planejamento torna todo o processo muito mais tranquilo. Aqui estão algumas habilidades básicas que você deve ter para produzir uma boa animação:

• Habilidades de ilustração: É fundamental saber desenhar bem para criar storyboards, desenvolver personagens e representar ideias com precisão.
• Habilidades em software de animação: É importante conhecer bem o programa ou app de animação que você escolher. Há várias opções como Clip Studio Paint, TVPaint, ToonBoom, Adobe Animate, entre outros.
• Criatividade: A criatividade é essencial para gerar ideias originais e inovadoras.
• Comunicação: Saber se comunicar é necessário para transformar suas ideias em imagens claras e transmiti-las à equipe de animação e ao público.
• Habilidades de resolução de problemas: O processo de produção de animação pode ser longo e complexo, então é importante ter um pensamento flexível para lidar com qualquer desafio que surgir.
• Relacionamento interpessoal: Em geral, a construção de uma animação é um trabalho em equipe, por isso, uma comunicação fluida e flexibilidade com os outros membros também são importantes.
• Gestão de projetos: Saber distribuir tarefas de forma eficiente e gerenciar o tempo é essencial para que o projeto seja concluído dentro dos prazos.

Um bom design de personagens é essencial para criar uma animação envolvente. O design de personagem funciona como a planta de um personagem, seja ele humano ou animal. Ele abrange expressões, penteados, roupas, tipos de corpo e outros elementos que transmitem visualmente a personalidade do personagem.

No design de personagens para animação, é comum usar fichas de personagem (character sheets), que mostram não apenas a aparência de cada personagem, mas também suas expressões e gestos típicos. Isso ajuda a manter a consistência do personagem ao longo da animação, mesmo quando várias pessoas estão envolvidas na produção.

Como desenhar personagens para animação?

Ao criar personagens para animação, os animadores precisam criar poses para os personagens que sejam suficientemente fáceis de diferenciar e de entender. É importante ser criativo e desenvolver personagens que se destaquem e envolvam o público na história.

Aqui estão algumas dicas para criar personagens para animação:

• Comece com formas básicas: Ao desenhar um personagem, estruture o corpo e o equilíbrio de cada parte usando formas simples, como círculos, ovais e retângulos.
• Simplifique os traços do rosto: Um bom animador consegue simplificar um objeto ou personagem e transmitir sua essência por meio de formas simples. Isso permite mais liberdade de expressão, como exagerar expressões faciais ou criar traços estilizados. Assista diferentes tipos de animação e observe os variados estilos de expressão.
• Organize seus personagens: Depois de desenhar vários personagens, coloque-os todos em uma única página. Verifique se estão equilibrados e se o design dos personagens mantém uma consistência.

O design de cenários se refere à criação dos fundos que dão contexto a cada cena da história. Os cenários podem ser feitos com desenhos ou gráficos digitais, como modelos 3D, dependendo do estilo e do gênero da animação. Animações 2D, como as do Estúdio Ghibli ou da Disney, geralmente usam fundos estáticos pintados em larga escala, que a câmera pode percorrer, animando apenas partes específicas quando necessário. Já animações 3D, como as da Pixar ou de jogos, podem usar modelos 3D, que funcionam como um cenário de filmagem real.

O design de cenários é fundamental para o storytelling, definindo o contexto e o clima de cada cena, incluindo a localização dos personagens, a hora do dia, o clima (metereológico) e paleta de cores. Confira alguns pontos importantes ao planejar os cenários da sua animação:

• Planeje cenas e ângulos: Determine quantas cenas e ângulos de cada cenário você precisa. Para cenários complexos, como um quarto ou uma rua, vale criar um modelo 3D simples para referência, garantindo consistência na posição dos objetos.
• Use fundos estendidos: Em vez de desenhar o fundo do zero para cada cena, considere usar um fundo estendido, que pode servir para diferentes partes da cena. Na maioria dos softwares de animação, como Clip Studio Paint, é possível trabalhar em uma tela maior que o tamanho final do vídeo, permitindo movimentar a “câmera” sobre o cenário.
• Crie variações com camadas: Para evitar retrabalho, use cópias ou composições de camadas para criar versões diferentes do mesmo cenário, como variações de horário, clima ou alterações leves em objetos de primeiro plano.
• Harmonize personagens e cenários: O estilo do fundo deve combinar com o design dos personagens em termos de simplicidade, estilo e cores. Em animações 2D, os fundos geralmente são um pouco mais discretos que os personagens, permitindo que os elementos em primeiro plano se destaquem. Por exemplo, cores mais suaves e linhas mais finas no fundo ajudam a valorizar os personagens.
• Trabalho em equipe: Se você for delegar a arte do cenário a outro artista, lembre-se de que ele não precisa ser animador. É importante, porém, que compreenda o conceito e as necessidades do projeto. Muitos artistas profissionais de fundo se especializam em pintura de cenários e não participam de etapas como animação de keyframes ou in-betweens.

Nesta seção, vamos aprender como criar uma história envolvente e entender o processo de produção de uma animação. O planejamento de produção é essencial para garantir qualidade profissional e cumprir prazos dentro de um projeto de animação.

Quais são as etapas da produção de animação?

Antes de começar, é importante ter uma visão geral das etapas de produção. Confira abaixo o passo a passo básico para criar uma animação:

1. Definição do conceito e da ideia

O primeiro passo é escolher o conceito da animação. Defina a mensagem ou história, os personagens, os cenários e outros elementos principais. Transforme suas ideias em um pitch simples, usando texto e ilustrações básicas. Em animações comerciais ou educacionais, essa fase também pode incluir pesquisas sobre o público-alvo.

2. Criação do plano de produção

Depois de decidir a direção da história, é hora de planejar a produção. Isso inclui cronograma, divisão de funções da equipe e recursos necessários. Um bom planejamento evita atrasos e garante que o projeto seja concluído dentro do prazo.

3. Storyboard e roteiro

O storyboard é criado para visualizar os movimentos dos personagens, desenvolvimento da história, ângulos de câmera, direção, efeitos e música. Já o roteiro define as falas dos personagens e a narração. Juntos, eles funcionam como o “mapa” da produção.

4. Design de personagens e cenários

Com o storyboard pronto, inicia-se o design de personagens e de cenários. É nessa etapa que a personalidade dos personagens e a ambientação ganham forma, garantindo que toda a equipe compartilhe a mesma visão. Fichas de personagem e imagens de referência são distribuídas entre os membros da equipe.

5. Processo de podução da animação

Com os designs definidos, começa a animação em si. Em curtas independentes, uma pessoa pode cuidar de tudo, mas produções comerciais geralmente envolvem equipes, com cada animador responsável por uma função: animação de keyframes, in-betweening, colorização, efeitos visuais etc.

6. Produção de áudio

A trilha sonora também faz parte da produção. Isso inclui música, efeitos sonoros e narração. O cronograma do áudio depende das necessidades da equipe, como a sincronização com movimentos ou animação de lábios (lip sync).

7. Edição e finalização

Na última etapa, todos os clipes animados são compostos e editados para formar o produto final. Muitas vezes, isso é feito em um software de edição de vídeo separado. É aqui que entram efeitos de luz, transições de cena e ajustes de tempo, até que a animação esteja concluída.

Como usar storyboards em animação

O storyboard é o processo de organizar visualmente a história e o roteiro. Ele é uma etapa essencial da pré-produção de animação, pois mostra a sequência de cenas, ângulos de câmera, movimentos dos personagens e a estrutura geral da narrativa. O storyboard garante que toda a equipe compartilhe a mesma visão do projeto e serve como um guia para o trabalho, mesmo quando você está criando a animação sozinho.

Criar um storyboard ajuda a identificar problemas e melhorias antes do início da produção em larga escala, economizando tempo e retrabalho.

1. Defina o conceito e os story beats da animação, ou seja, os principais pontos da narrativa.
2. Escreva o roteiro, resumindo diálogos e ações dos personagens.
3. Crie o storyboard, visualizando as cenas principais, incluindo anotações de direção, tempo e áudio.
4. Monte um vídeo de teste com os esboços do storyboard e áudios temporários, seguindo o tempo planejado.
5. Ajuste o storyboard conforme necessário, com base no teste.
6. Finalize o design dos personagens, cenários e outros elementos do storyboard.
7. Distribua as tarefas da equipe, como pintura de cenários, animação de personagens, keyframes, in-betweening, efeitos e áudio.
8. Inicie a produção da animação, sempre usando o storyboard como referência.