5 techniques pour s’améliorer en dessin

 

 

Nous allons d’abord voir comment préparer un travail et s’entraîner à la composition. Cette étape importante permet d’éviter le syndrome de la page blanche et de créer des illustrations percutantes. Nous verrons ensuite comment construire un dessin. Je vais vous donner un exercice simple afin de ne plus avoir peur de la perspective. Enfin, nous verrons comment finir le dessin et quels sont les points fondamentaux à apprendre afin d’exceller.

 

Final

 

Dessin

 

1) Brainstorming

Le client vient vers vous avec une demande, qu’on appelle le « brief ». Ce peut être une idée vague (Ex. : Un chevalier) ou plus précise (Ex. : Un chevalier sombre, aux yeux vert, doté d’une armure d’or et d’une épée maléfique). Les deux cas de figure présentent avantages et inconvénients. Professionnellement, on ne peut pas se permettre d’être soumis au syndrome de la page blanche. C’est à vous de transformer des mots, une idée, en une illustration finale. Pour cela, il existe un outil très puissant : le brainstorming.

 

Prenons un brief et notons-le au milieu d’une feuille. Entourons-le afin qu’il soit important. À partir de lui, il faut sortir toutes les idées qui lui sont connectées et qui nous semblent pertinentes. Sortir les idées de sa tête et les écrire permet de ne pas les oublier et de créer une carte mentale de ce que vous allez dessiner. Dans mon exemple, j’ai choisi le sujet « Sorcier Cerf ». J’ai décomposé les mots qui composent le brief. Chaque mot fait échos à des idées qui m’inspirent. En les connectant, je développe mon sujet et commence à dégager une histoire. J’ai suffisamment d’éléments pour commencer à faire des croquis.

 

Brainstorming

 

Je ne saurais que trop vous conseiller d’avoir un carnet de croquis. Ce carnet doit être votre laboratoire. Amusant, chaotique et plein de vie, c’est le conseil numéro 1 que je donne à mes étudiants. Dessiner tout et n’importe quoi quand vous en avez envie. Une rue devant laquelle vous passez, un couple que vous apercevez deux tables en face de vous au restaurant, peut être des objets du quotidien… et bien entendu des croquis pour vos projets en cours. Ici, des croquis de composition que nous verrons juste après.

 

L’étape de la préparation est aussi celle de la collecte de références. Cherchez sur internet des images relatives à vos idées, elles vous aideront à faire un travail de qualité. Le but n’est pas de copier, mais de s’inspirer. Par exemple, le cerf n’est pas copié d’une photo ou un dessin. Plusieurs photos de vrais cerfs et druides m’ont aidé à construire le personnage. J’évite généralement de prendre des dessins dans mes références, afin d’éviter d’être trop influencé. Priorisez l’usage de photos.

 

2) Se lancer

Ce que l’on nomme « composition » n’est ni plus ni moins que les ficelles que vous allez utiliser afin de guider le regard du spectateur dans votre scène, dans le but de déclencher une émotion voire même une idée. Il est commun d’enseigner aux débutant la règles des tiers et vous trouverez aisément des tutoriels sur internet. Je met cependant en garde mes étudiants concernant cette règle des tiers, qui est incomplète et à tendance à créer des redondances dans les compositions. À la place, j’enseigne en premier lieu 3 principes de bases en composition : le contraste, le détail et les lignes d’action.

 

Lignes

 

Le contraste est la différence. Plus la différence est marquante, plus le regard va être capté. Par exemple, un point noir sur une feuille blanche attire le regard. De la même manière, dans un environnement sombre nous allons être attirés par la lumière. Si la lumière domine, nous allons chercher les coins d’ombres. Si notre scène est composée d’adultes, nous allons regarder l’unique enfant. Dans un jardin d’enfant, l’adulte. Mon illustration étant sombre, votre regard a tendance à se poser vers les points de lumière.

 

Le détail est une façon intéressante d’attirer le regard. C’est encore une question de contraste. Le regard des personnages doit faire l’objet d’un soin particulier si vous souhaitez mettre en avant leur visage. Si une scène est bourrée de détails, essayez d’en mettre moins et de laisser respirer là où vous souhaitez attirer le regard.

 

Enfin, les lignes d’action sont des lignes imaginaires. Lorsque plusieurs lignes d’actions convergent vers le même endroit, cet endroit attire indubitablement le regard. Dans mon illustration, on remarque que les nuages et la perspective guident vers la source de magie.

 

Afin de digérer ces concepts, l’un des exercices les plus intéressant consiste à prendre des œuvres (Illustration, bande dessinée, plan de film) dont vous appréciez la composition et de vous poser ces simples questions.

 

Quels sont les zones de contrastes ?
Où est concentré le détail ?
Où se trouvent les lignes d’action ?

 

En analysant les mécaniques de vos artistes préférés, vous serez en mesure de vous exprimer également. Dans vos projets, prenez l’habitude de vous poser la question en vous mettant à la place du spectateur de la scène. Est t-il proche, loin, caché par rapport aux autres ?

Vignetter des compositions sur de petits formats (5cm de long) permet de se concentrer sur l’essentiel. Si la composition fonctionne en petit, elle fonctionnera également en grand.

 

Composition

 

Ici, j’ai choisi l’essai de composition le plus proche du sorcier, afin de ressentir avec lui la force de la source de magie. Il n’y a pas de meilleure ou de moins bonne idée. Il faut se demander si la composition répond bien au brief,. Parfois, c’est une question de goût personnel.

 

3) Construire son dessin

La construction d’un dessin est une étape cruciale. En partant de votre essai de composition, vous devez préparer la scène en lignes d’action, puis en volume. Pour cela, s’entraîner à la perspective est essentiel. On ne peut résumer les principes de perspectives en un seul paragraphe. Afin de progresser en construction en perspective, je vous invite à vous entraîner dans votre carnet. Choisissez un objet du quotidien, de préférence un objet que vous avez à disposition. Un objet simple comme une chaise, une tasse ou un meuble pour commencer, puis plus tard des objets plus complexes tels qu’un lampadaire ou une manette de jeux vidéo. Le but est de décortiquer l’objet en formes géométriques de bases. Tentez de le représenter sous plusieurs points de vues. Simplifier un objet n’est pas une mécanique de l’esprit évidente. Essayez tout de même de vous contenter d’utiliser des cubes, pavés, pyramides, cylindres et sphères.

 

Construction 1

 

Construction 2

 

Si vous en faites régulièrement, les secrets de la construction et de la perspective n’aurons plus de secrets pour vous.

 

4) Comprendre l’anatomie

Lorsque votre construction est bonne, il ne vous reste plus qu’à dessiner. Pour cela, il faut progresser en design et en anatomie.

 

Par design, j’entends la manière dont les choses sont construites et mises en valeur. Comprendre comment est attachée une porte permet d’éviter des erreurs d’ouvertures ou d’échelle par rapport aux personnages. L’anatomie est un énorme morceau de l’apprentissage en dessin, et aussi l’un des plus passionnant. Comprendre comment fonctionne le corps humain ouvre les portes à l’anatomie comparée (l’étude des animaux) et donc au zoomorphisme et l’anthropomorphisme, ainsi que le design de créatures.

 

Anatomie

 

Pour commencer, essayez de maîtriser le squelette humain, ses proportions et sa mécanique. Analysez chaque os et leur motricité, en commençant par la boite crânienne et la mandibule. Si vous arrivez à créer un crâne humain en perspective, avec des proportions justes, le reste sera une bagatelle. Le pelvis, l’os du bassin, dispose d’une forme particulière à ne pas sous-estimer. En effet, il est l’un des os important à maîtriser pour le dimorphisme sexuel, la différence entre les hommes et les femmes étant principalement question de proportions osseuses (hormis bien entendu les organes sexuels). Prenez le temps de bien maîtriser les os. Si vous le faites, comprendre les muscles sera à la fois simple et amusant. Il faut imaginer les muscles comme étant une corde que l’on tire afin d’actionner la mécanique des os. Par conséquent, comprendre la mécanique permet de comprendre facilement pourquoi tel muscle est à tel endroit. Retenez ceci : en anatomie et en dessin de personnage, essayez de concentrer la majorité de votre exigence dans le respect des proportions. Si elles sont correctes par rapport à votre direction artistique, votre personnage sera crédible.

 

Dessin

 

5) Mettre en couleurs

Lorsque vous souhaitez mettre en couleur, il y a une question qui doit vous hanter. D’où vient votre source de lumière? Cette question est même devenue un « meme » sur internet.

 

Couleurs de base

 

Vous vous souvenez de l’exercice qui vous demande de dessiner un objet en perspective ? Afin de le compléter, je vous conseil d’utiliser votre téléphone portable ou une lampe de poche comme source de lumière. Approchez là de votre objet référence et observez la lumière. Gardez en tête que la luminosité d’un plan détermine la manière dont il fait face à la lumière. Par conséquent, la lumière se répartit uniformément sur une surface plane, mais crée un dégradé sur une surface arrondie.

 

Comprendre la théorie des couleurs est un plus indéniable. Sur deux dessins, celui en couleurs attirera toujours plus de regards. La couleur remplit à elle seule plusieurs étagères de bibliothèques, je ne pourrais donc pas résumer ici. Cependant, le processus de création de mon illustration peut vous aider. J’ai rempli les formes dessinées de couleurs logiques sombres pour appuyer la nuitée. J’ai ensuite rajouté une lumière forte (calque en mode normal), puis les ombres (calque en mode produit). Vous devez avoir deux buts lorsque vous faites les lumières et ombres. Le premier est de poser une ambiance, ici mystique. Le second est d’expliquer les volumes des éléments de votre scène. Lorsqu’on débute, cette étape est un vrai casse tête. S’entraîner sur de petits objets indépendant, au lieu de scènes complètes, vous fera progresser assez vite. En un rien de temps, cette étape deviendra votre préférée, comme tout artiste aguerri.

 

Final

 

Récapitulatif des exercices

Le contenu de ce petit cours étant assez riche en information, je pense qu’il est important de conclure sur un récapitulatif des exercices conseillés.

 

– Ne vous jetez pas sur vos crayons ! Un petit brainstorming peut faire naître des idées intéressantes. Pensez aussi à récolter des références en lien avec le sujet.
– Se procurer un carnet de croquis et le remplir fréquemment. S’amuser et progresser grâce à lui permet de rajouter du fun dans votre entraînement.
– Observer des œuvres et les simplifier au maximum pour s’entraîner à la composition. On apprend par la reproduction.
– S’entraîner à la perspective en reproduisant des objets dans différents points de vue. Idéalement, les simplifier avec des formes géométriques de bases dans un premier temps. Les détailler lorsque vous êtes à l’aise avec la construction. Travailler les ombres et la lumière sur ces objets en perspectives lorsque vous serez à l’aise.
– Comprendre l’anatomie. Commencez par l’apprentissage approfondi du squelette avant de s’attaquer aux muscles.

 

Le dessin et l’art en général forment un voyage passionnant sans fin, stimulant votre curiosité tout au long de votre vie. Soyez patients et humbles. Un pas après l’autre, essayez d’être chaque jour un peu meilleur que la veille. Mon dernier conseil est essentiel : montrez votre travail. Recueillez le plus de critiques possible afin de progresser. N’ayez pas peur des conseils que vous aurez, même les plus acerbes. Ils vous aideront à devenir meilleur.

 

Je vous souhaite une bonne odyssée artistique !

 

L’auteur

Je suis Mehdi Abdi, illustrateur indépendant dans le jeu de société. Je suis également formateur en dessin, anatomie et character design à l’école Brassart Aries, à Annecy. Vous pouvez retrouver mon travail sur mon portfolio (http://www.mehdiabdi.fr/) et sur les réseaux sociaux.

 

Instagram :https://www.instagram.com/mehdiabdiart
Artstation :https://www.artstation.com/mehdiabdi

 

 

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