Digitale Malerei mittels Landschaftsfotografie

Digitale Malerei mittels Fotos

Marco Bucci zeigt, wie du Referenziren von Fotos in deine Illustration und dabei das Anwenden von digitalen Malwerkzeugen gekonnt kombinieren kannst. Das Setzen von eigenen Schwerpunkten wie Vogelperspektive oder Wasserreflexionen hilft dir, dein Werk besser zu strukturieren. Schau dir das Video dazu an!

 

 

Hallo allerseits. Dieses Video wird dir in Zusammenarbeit mit CLIP STUDIO PAINT zur Verfügung gestellt. Eine Software, die ich in letzter Zeit viel ausprobiert habe. Heute werde ich es auf Herz und Nieren prüfen und es, mit einigen Fotografien als Grundlage, testen. Ich werde einige Tipps geben, wie ich das Beste aus meinen Skizzen heraushole, und gleichzeitig auf einige coole Funktionen von CLIP STUDIO PAINT eingehen.

 

 

  1. Burg als Luftaufnahme
    • Liste erstellen
    • Klein malen
    • Tiefe hinzufügen: Atmosphärische Perspektive
    • Erweiterte Farbauswahl

 

  1. Boote im Wasser
    • Aquarelleffekte digital malen
    • Schatten und Reflexionen

 

  1. Schloss im Nebel
    • Auswahlstift & Pixel sperren
    • Aufbau des Nebels: Helligkeitskontrast

 

Grundlegende CLIP STUDIO-Malwerkzeuge

Wenn du eine neue Leinwand erstellst, kannst du als Grundlage die Papierfarbe festlegen. Ich habe dieses neutrale, warme Grau gewählt.

 

 

Die Hauptpinsel, mit denen ich male, befinden sich unter diesen vier Symbolen. Wenn du auf eines davon klickst, hast du im Sub-Tool-Menü weitere Pinsel zur Auswahl.

 

 

Klicke auf einen dieser Pinsel, um ganz spezielle Einstellungen vorzunehmen, welche dir in der Tooleigenschaften-Palette angezeigt werden. Zu den Optionen gehören Pinselgröße, Deckkraft , Füllmethode sowie ein paar Texturen zum Nachbilden. Und es ist auch schön, dass ich beim Auswählen anderer Pinsel verschiedene Möglichkeiten zum Anpassen habe. Wenn ich in CLIP STUDIO arbeite, probiere ich diese Bereiche stets aus.

 

 

1. Burg als Luftaufnahme

Dieses Foto werde ich mir als Referenz nehmen. Bevor ich anfange zu malen, finde ich es hilfreich, eine Liste der Dinge zu erstellen, die ich untersuchen möchte.

 

 

Ich mag die Tiefenperspektive, insbesondere wegen der Herausforderung, jede Farbe bis in die Ferne zu verfolgen. Das ist eine gute Übung für das Verständnis von Grautönen, da sich diese Farben im ferneren Bereich im Foto immer mehr ähneln. Ich möchte auch ein Gefühl für die sich nicht wiederholenden Muster in der Natur bekommen, was ich ziemlich schwierig finde. Und ich mag den Sinn der grafischen Prägung der Burg sehr. Es setzt einen klaren Schwerpunkt. Ich möchte sicherstellen, dass es in meinem Bild genauso deutlich erkennbar bleibt.

 

 

Diese einfache Liste wird mir während meiner Arbeit die Richtung weisen, und wenn ich mit dem Malen fertig bin, werde ich auf diese Liste zurückkommen und mich fragen, ob ich diese Dinge umsetzen konnte. In gewisser Weise habe ich auch eine kleine Rubrik erstellt, in der ich mein Werk benoten oder selbst bewerten kann.

 

Gerade Linie-Tool

Wenn du in CLIP STUDIO PAINT einen Punkt setzt und dabei die Umschalttaste gedrückt hältst, bekommst du dieses interaktive Tool für gerade Linien, das ich zum Einteilen einer Zeichnung oder für einen ersten Aufbau äußerst hilfreich finde.

 

 

Ich benutze dieses Werkzeug, um die Burg und einen Großteil der umliegenden Landschaft einzuteilen. Die Bäume hier werde ich wie auf meiner Liste freihändig zeichnen – mein erster Klecks in das Muster der Natur.

 

 

Ok, nun benutze ich Pinsel aus der Gouache-Kollektion, um den Himmel zu malen. Hier darf ich nicht vergessen, dass ich die grafische Prägung der Burg beibehalten möchte. Und um das umsetzen zu können, sollte ich den Himmel einfach halten.

 

 

Also benutze ich von nun an die „Pen“s, weil sie dazu neigen, sehr starke Markierungen zu ermöglichen, was ich für eine gute Wahl halte, um diese Burg einzufügen. Ich habe hier nur eine Minute lang gemalt und setze bereits einen der Punkte auf meiner Liste um: Die grafische Prägung der Burg. Das bringt mich auch schon zu meinem nächsten Tipp beim Lernen von Fotos.

 

 

Zwei einfache Worte: Klein malen

Dafür gibt es zwei gute Gründe:

 

  1. Wenn du klein malst, wird deine Fähigkeit, ein gutes Bild zu machen, in keiner Weise beeinträchtigt. Und weil du dich beim Malen im kleinen Maßstab körperlich weniger anstrengst, kannst du mehr Arbeit in weniger Zeit erledigen. Also höherer Output in weniger Zeit bei gleicher Bildwirkung – das ist Grund Nr. 1.
  2. Grund Nr. 2 hat etwas mit Psychologie zu tun, die ich nicht ganz verstehe, aber das Malen von kleinen Bildern wird dich von der allgemeinen Tendenz ablenken, einfach alles kopieren zu wollen.

 

Und das ist eine häufige Frage, die mir Schüler stellen: Wie vermeide ich es, ein Foto einfach nur zu kopieren und stattdessen tatsächlich eine bewusste, fokussierte Studie durchzuführen? Die Beantwortung dieser Frage war, um ehrlich zu sein, das was mich dazu bewogen hat, dieses Video zu erstellen.

 

Tiefe hinzufügen

An diesem Punkt des Gemäldes beschäftige ich mich mit dem gesamten Tiefenproblem. Das ist die atmosphärische Perspektive, die all diese Farben braucht, die dir das Gefühl von Raum geben. Ich male solche Sachen seit vielen Jahren und kenne einige Muster.

 

Nehmen wir drei der Grundfarben in dieser Szene. Das Grün der Bäume, das Grün des Hofes und diese gelblich-erdige Farbe. Hier sind ihre entsprechenden Werte.

 

 

Damit werden die Dinge nah an der Kamera dargestellt. Was wir verstehen müssen, ist, wie sie sich ändern, je weiter sie sich entfernen. Erstens, sie sind alle dunkler als der Himmel, und das muss so bleiben. Die Helligkeitswerte nehmen mit zunehmender Entfernung zu, während sie im gleichen Verhältnis zueinander bleiben.

 

 

Die Dinge, die am dunkelsten sind, die Bäume, in diesem Fall, erfahren die größte Veränderung, einfach weil sie mehr Helligkeitswerte durchlaufen. Wenn du auf diesem Foto zum Horizont blickst, endet schließlich alles in derselben Helligkeit. Gleiches gilt für die Farbe. Wir geben dem Himmel ein schwaches Blau wie auf dem Foto. Wenn ich die Farben immer weiter entfernt male, werden sie dabei von dieser Himmelsfarbe beeinflusst. Macht Sinn, oder? Die Farben so hinzubekommen, ist der schwierige Teil.

 

 

Hinweis: Farbverläufe

Unten siehst du ein Farbrad. Wir haben zwei Farben, Grün und Orange, und wir wollen sie am Ende Blau werden lassen.

 

 

Beginnen wir mit Orange. Du magst jetzt vielleicht denken, dass macht er bestimmt so oder so:

 

 

Aber beides geht hier eigentlich nicht. Stattdessen geht es durchs Grau – den Bereich, in dem sich alle Farben vereinen. Der genaue Weg kann variieren, aber er wird ungefähr so aussehen. Ähnlich verhält es sich beim Grün; es ist wahrscheinlicher, dass es diesen Weg einschlägt.

 

 

Die Farben müssen nicht durch perfektes Grau verlaufen, aber du kannst dir das Grau als eine Art Schwerkraft vorstellen, das, wenn es um Tiefe geht, die Farben im Vorbeigehen an sich zieht.

 

Zurück zu unserer Farbübersicht hier; das ist mehr oder weniger das, was ich brauche.

 

 

Wenn ich mir nun mein Bild in diesem frühen Stadium anschaue, finde ich, dass ich es ganz gut aufgeteilt habe. Ich habe die nahen Farben, und ich habe die weit entfernten Farben, die meiner Meinung nach beide am einfachsten sind, und dann werde ich im Verlauf des Gemäldes die schwierige Mitte ausfüllen.

 

 

Im Moment lege ich das erstmal auf Eis, um an anderen Dingen zu arbeiten. Ich mache mich an die schwachen Schatten der Bäume, die Schlagschatten, die sie auf den Boden werfen, überarbeite den Schwerpunkt und arbeite dort an den anderen Punkten auf meiner Liste. Merke: Ich mache mir keine allzu großen Sorgen um die genaue Form dieser Bäume. Das liegt daran, dass das nicht auf meiner Liste steht. Ich interessiere mich für das Muster, nicht unbedingt für die Bäume selbst. Wenn diese Bäume also im Wesentlichen einfach nur Punkte unterschiedlicher Größe sind, erfüllt das immer noch meine gesteckten Ziele.

 

 

Ok, jetzt wieder zurück zu der atmosphärischen Perspektive: Dafür suche ich Farben heraus, die für die Umwandlung vom Vordergrund zum Hintergrund verantwortlich sind. Grundsätzlich habe ich diese Farbpalette von vorhin vor Augen und suche nur nach Farben innerhalb dieser Grenzen.

 

Ich verwende CLIP STUDIO PAINTs Feinen Gouache Pinsel und den Runden Pinsel viel dafür. Ich finde, dass diese beiden Pinsel wirklich gut mit den Farben, die bereits auf der Leinwand sind, interagieren. Und das ist für das Malen einer atmosphärischen Perspektive sehr wichtig, da man im Allgemeinen viele kleine Änderungen vornimmt.

 

Erweiterte Farbauswahl

Apropos kleine Verbesserungen, ich liebe diesen Farbwähler in CLIP STUDIO wirklich. Er bietet dir feine Abstufungen für die Farbauswahl.

 

 

Dies zeigt dir sehr naheliegende, benachbarte Farbnuancen mit unterschiedlichen Sättigungen und unterschiedlicher Helligkeit. Wenn ich dies also aufhellen und nur ein Quäntchen entsättigen wollte, könnte ich auf diese klicken. Und natürlich wird diese Farbe auf dem Hauptfarbwähler und dem Farbrad aktualisiert. Du kannst auch mit diesem Helligkeitsregler spielen, mit dem festgelegt wird, wie weit die Abstufung darum angezeigt werden soll. Wenn es also auf einen hohen Wert eingestellt ist, habe ich Zugriff auf den gesamten Wertebereich, und wenn es auf einen niedrigeren Wert eingestellt ist, kann ich wirklich hauchfeine Nuancen wählen.

 

 

Eine weitere, coole Funktion ist die hier: Nehmen wir an, ich bin hier oben und ändere die Farbe in meinem Farbkreis. Es bringt mich automatisch wieder in die Mitte, so dass ich immer den ganzen Bereich von links nach rechts und von oben nach unten zur Auswahl habe.

 

 

Wenn du auf das Symbol am Ende des Schiebereglers klickst, kannst du ändern, welche Informationen in dieser Tabelle angezeigt werden. Ich mag jedoch die Standardeinstellung Luminanz.

 

 

Hier ist das fertige Gemälde, basierend auf dem Foto. Es ist klein und hat nicht zu lange gedauert, also lass uns noch eins machen.

 


 

2. Boote im Wasser

Auf diesem Foto bin ich mehr vom Drumherum um diese Boote angezogen, als vom Hintergrund. Das betrifft nicht nur die Boote selbst, sondern auch die Schatten, die auf das flache, teilweise reflektierende Wasser geworfen werden. Ich liebe auch den Farbverlauf in diesem Meerwasser. Da sich alles in meiner Liste um die Boote dreht, muss ich mir nicht einmal einen Rahmen setzen. Ich kann einfach den allgemeinen Bereich der Boote isolieren und von dort aus malen und sehen, was passiert.

 

 

Ich benutze das „Sanft“ Airbrush-Sub-Tool hier für das Wasser, obwohl ich diesen Airbrush auf einen ziemlich hohen Grad an Härte eingestellt habe, wie du im Feld für die Pinseleinstellungen siehst.

 

 

Und ich sollte erwähnen, dass CLIP STUDIO zwar über alle Ebenenfunktionen verfügt, die man sich von einer digitalen Mal-Software nur wünschen kann, ich aber die meiste Zeit nur auf einer Ebene male. Einer der Vorteile davon ist, dass ich jetzt zu Runder Pinsel wechseln und die Füllmethode der Ebene auf Multiplizieren setze kann. So wird die Farbe mit den anderen Farben auf dieser Ebene interagieren, und ich kann dies wie Aquarellmalerei behandeln.

 

Aquarelleffekte digital malen

 

Also nehme ich all die extrem hellen Farben, mit denen ich angefangen habe, und benutze diesen digitalen Aquarellpinsel, um immer dunkler zu werden. Sehr ähnlich zu dem, was ich mit traditionellen Aquarellzeichnungen machen würde. Wenn du die Deckkraft dieses Pinsels niedrig hältst, wirkt dies sehr hell und verwaschen. Mit einer hohen Deckkraft wird hingegen ein Effekt erzielt, als hättest du mehr Farbpigmente auf dem Pinsel.

 

 

Wer meine Videos kennt, weiß das vermutlich schon, aber ich male auch viele traditionelle Aquarelle. Wenn also eine Software sagt, dass sie einen Aquarellpinsel hat, bin ich immer skeptisch, aber die Aquarellauswahl von CLIP STUDIO ist wirklich gut! Es lässt deine Gemälde wie traditionelle Aquarelle aussehen, und du kannst auch noch die Vorteile des digitalen Zeichnens nutzen.

 

Wechsel die Füllmethode deiner Pinsel auf Normal, anstelle von Multiplizieren . Das sorgt dafür, dass sie Farbe deckender auftragen. Auf diese Weise zeichne ich die Taue, einige der hellen, zackigen Muster im Wasser und einige allgemeine Highlights auf den Booten und den plätschernden Wellen usw.

 

 

Schatten und Reflexionen

Nun weiter im Text! Auf meiner Liste vermerkte ich, Schatten und Reflexionen zu lernen; nun, mit diesen passiert etwas sehr Interessantes. Wenn dort kein Wasser wäre, würden die Schatten mehr oder weniger so aussehen.

 

 

Aber weil Wasser reflektiert und dazu noch den hellen Himmel reflektiert, kämpfen die Lichtreflexionen mit den dunklen Schatten. In diesem Fall erhalten wir also ein paar hellere Farben, die sich mit unseren dunklen Schatten mischen.

 

 

Die Schattenform muss aber weiterhin klar erkennbar bleiben.

 

 

Dies ist jedoch nicht immer der Fall. Diese Brücke wirft zum Beispiel einen Schatten auf das Wasser, aber ihr Schatten wird von der Reflexion verschlungen. Man muss solche Sachen wirklich individuell entscheiden.

 

 

Wenn dies ein Gemälde in voller Größe und mit allen Details wäre, würde ich mich vielleicht weiter darin vertiefen und jede kleine Form der Reflexion einfangen wollen, aber das ist jetzt nicht der Fall. Ich untersuche den optischen Effekt dieser Dinge, und zu diesem Zweck hilft mir das Malen in kleiner Form sehr, konzentriert zu bleiben.

 

Also kommen nur ein paar abschließende Pinselstriche hinzu. Ich denke, ich habe die Dinge festgehalten, die ich festhalten wollte, und das bedeutet, dass wir auch damit fertig sind.

 


 

3. Schloss im Nebel

Okay, hier ist ein cooles Foto.

 

 

Ich möchte natürlich seine Nebelschichten einfangen. Durch den Nebel fühlen sich diese kantigen Formen des Schlosses sehr weich an. Ich denke, das wird eine nette Herausforderung. Und zusammen mit dem Nebel gibt es subtile Farbübergänge, die links wärmer und rechts kühler wirken.

 

Auswahlstift & Pixel sperren

Ich benutze CLIP STUDIOs Gerade Linie-Tool, um den Grundentwurf zu erstellen. Schau dir diese Funktion hier an. Das ist der Auswahlstift. Es sieht so aus, als würde ich grün malen, aber das tue ich nicht. Das Werkzeug wählt die Bereiche aus, die man „übermalt“.

 

 

Mit dieser Auswahl erstelle ich eine neue Ebene, nehme dann das Farbeimer-Werkzeug „Fläche füllen“ und fülle damit die Auswahl – nur eine schlichte Farbe für den Moment. Ich werde diesen Vorgang jetzt für das große Schloss wiederholen, und ich mache mir keine allzu großen Sorgen um diese zufälligen negativen Räume. Ich denke, es wird seinen Charme am Ende eher verstärken.

 

 

In der ersten Ebene verwende ich diesen Airbrush mit Textur, um die Bäume im Hintergrund anzudeuten. Und dann gibt es eine weitere Ebene für das kleine Haus auf der linken Seite.

 

 

Ich wähle die Hauptebene, dessen Füllmethode ich auf „Schein abwedeln“ setze, für das Schloss aus, drücke hier auf diese Option und male dann mit diesem sehr großen Airbrush. So kann ich mit einem großen Pinsel malen, und meine Farben bleiben an die Pixel gebunden, die bereits darauf sind. Das Ergebnis ist, dass meine Schlossauswahl intakt bleibt.

 

 

Und so fahre ich fort, um diese Szene weiter einzuteilen: Ebenen wechseln, Pixel sperren und dann mit einer weichen Airbrush malen.

 

 

Das lenkt mich schon in Richtung Nebel, aber ich möchte nicht, dass alles so sanft ist. Zum Beispiel möchte ich diese Dächer mit dem Runden Pinsel hervorheben. Ich suche nach anderen harten Pinseln, die mir helfen, die Wirkung des Airbrushs auszugleichen.

 

 

Nun, da wir eine Struktur haben, ist es wichtig, dass ich die detaillierte Farbverteilung erfasse, die ich in meiner Liste erwähnt hatte. Oben links warm und dann kühler, wenn es nach rechts runter geht. Ich werde verschiedene Airbrushs verwenden, um das zu definieren.

 

 

Das wäre geschafft. Deshalb kann ich mich um einige subtile Elemente kümmern, wie die kleinen Fenster, die Dächer und das weitere Verdunkeln von Formen mit mehr Nebel.

 

 

Aufbau des Nebels

Ich möchte kurz den allgemeinen Vorgang beim Malen von Nebel behandeln. Du kannst mit einer klaren Silhouette wie dieser als Einstieg beginnen, musst aber den Grundaufbau im Auge behalten, wenn du sie mit Nebel verdeckst.

 

 

Im Allgemeinen wird so verfahren, dass die Silhouette oben klarer erkennbar bleibt, aber weniger kontrastreich wird und daher unten weicher wird.

 

 

Das kann sogar dazu führen, dass Kanten auch völlig verloren gehen, je nachdem, wie neblig deine Szene aussehen soll. Stell einfach sicher, dass du dabei deine Grundstruktur beibehältst.

 

 

Wenn nun das Licht in einem schrägen Winkel wie hier einfällt, können die hellsten Lichter direkt durch den Nebel dringen, was zu sehr klaren, scharfkantigen Formen führt. Und um es noch weiter zu verschönern, kannst du die Lichter ein wenig leuchten lassen und mit geringfügigen Abweichungen der Helligkeit herumspielen.

 

 

Du kannst an meinem Bild sehen, wie ich es anhand dieser einfachen Strukturen aufgebaut habe, und darauf basierend kann man natürlich noch allerlei hinzufügen. Hier verwende ich zum Beispiel eine Spritz-Airbrush, um einen Busch auf der linken Seite anzudeuten.

 

 

Jetzt nehme ich den Pastell-Pinsel und ich habe eine Papierstruktur dafür gewählt, die die Steine auf diesem Schloss nachahmt, und denke, dass ich mit einer ausreichend großen Pinselgröße sowohl einen Airbrush-ähnlichen Effekt als auch eine Textur mit harten Kanten erzielen kann. Es ist eine interessante Kombination, die zufällig eine Ziegel-Textur im Nebel erscheinen lässt.

 

 

Wie auch immer, ich denke ich lasse es so.

 

Ich hoffe, dieses Tutorial inspiriert dich für deine Fotostudien und motiviert dich, auf clipstudio.net/de zu gehen und die kostenlose Testversion der Software auszuprobieren, egal ob du Einsteiger oder Profi bist. Ich bin sicher, dass es dir Spaß machen wird.

 

 

Der Künstler stellt sich vor

Marco Bucci erkannte zwei Dinge in jungen Jahren. Das Erste war, dass er ein professioneller Künstler werden wollte. Das Zweite war, dass er nicht zeichnen konnte. Deshalb dauerte alles für ihn etwas länger. Er füllte diese Zeit damit, andere künstlerische Interessen wie Musik und Schreiben zu verfolgen, aber der Drang zu zeichnen, ließ nicht nach. Mit 19 Jahren begann er traditionelles Zeichnen zu studieren, was seine Liebe zur Malerei und Illustration erweckte. Er hat seitdem nicht mehr zurückgeschaut.

 

Marcos Erfahrung umfasst Bücher, Filme, Animationen und Werbung. Zu seinen Kunden gehören: Walt Disney Publishing Worldwide, LEGO, LucasArts, Mattel Toys, Fisher-Price, Hasbro, Nelvana, GURU Studio, C.O.R.E. Digital Pictures, Yowza! Animation Inc., Pipeline Studios und mehr.

 

Marco ist auch ein engagierter Lehrer und unterrichtet derzeit „The Art Of Color & Light“ an der CGMA, einem Kurs, der speziell darauf ausgelegt ist, die Grundlagen der Malerei zu erlernen.

Marco kann für freiberufliche Arbeiten an großen und kleinen Projekten kontaktiert werden! Du kannst gerne eine E-Mail an marco@marcobucci.com senden oder ihn über Shannon Associates LLC kontaktieren.

 

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