Transposition de techniques de peinture classique vers l’art numérique

Transposition de techniques de peinture classique vers l'art numérique

L'apprentissage des techniques de peinture traditionelle propulsera votre art au niveau supérieur. Le concept artist français Simon Goinard explique ces techniques et partage des conseils pour les appliquer à l'art numérique.

 

Ce dont vous avez besoin pour commencer

Vous n’avez pas besoin de connaissances techniques complexes pour commencer à expérimenter avec ce que je couvre ici. Cependant, une compréhension de base des paramètres de pinceau et des calques de CLIP STUDIO PAINT ou de votre logiciel préféré peut vous aider à aller plus loin dans votre exploration.

 

Je recommande cette série de tutoriels simples si vous commencez tout juste à peindre avec CLIP STUDIO PAINT :
Quelques astuces pour utiliser et configurer la gamme de pinceaux [Aquarelle Réaliste]

 

Introduction

Le sujet, le médium et le style sont les trois principes fondamentaux d’une peinture. Au format numérique, deux de ces trois éléments sont liés et souvent confondus : le médium (pinceaux) et le style (rendu).

 

De nos jours, de nombreux logiciels numériques sont capables de reproduire différents médias, tels que des pinceaux avec des textures ou des pointes variables. Cependant, comme beaucoup de gens en font souvent l’expérience, ces pinceaux ne suffisent pas à eux seuls à reproduire le sentiment ou le rendu qu’ils ont en tête pour leurs peintures.

 

C’est parce que nous avons souvent tendance à oublier qu’un style de coup de pinceau n’est pas seulement basé sur un pinceau, mais sur la combinaison d’un pinceau, d’une technique et de beaucoup d’expérience. Sur la base de ce principe, je vais mettre en évidence certaines techniques qui, en combinaison avec le bon médium et une certaine pratique, peuvent conduire vers une plus grande profondeur dans vos peintures.

 

Définir avec le geste

La première technique traditionnelle qui doit être comprise et véhiculée numériquement est le geste, car une peinture est bien plus qu’une simple copie d’un paysage réel ou l’expression d’un concept. La synthèse d’une idée avec le mouvement établit la différence entre une bonne peinture et une œuvre magistrale.

 

Apprendre à intégrer la gestuelle dans votre processus d’illustration aide à améliorer rapidement votre œil et vos mains et à créer de bonnes compositions et un visuel dynamique.

 

Les trois règles suivantes vous aideront beaucoup à développer votre gestuelle :

 

1. Créez toujours des compositions de petite taille (sous 800 px) avec des pinceaux plus grands que ceux que vous utilisez généralement (de +50 % à 200 %).

Cette technique aide à ajouter une sensation dynamique au croquis et à entraîner votre mémoire musculaire sans effort.

 

 

2. Construisez toujours votre sous-peinture avec la même méthode : utilisez des pinceaux aux bords définis pour peindre le sujet et des pinceaux aux bords doux pour peindre le reste.

Il s’agit d’une règle importante qui génère également de forts contrastes, une hiérarchie et des points focaux sur votre image.

 

 

3. Créez toujours vos volumes avec des lignes.

Qu’ils soient transparents ou épais, vous devriez pouvoir dessiner vos rendus une ligne à la fois, car appliquer des traits au hasard ne fait que compliquer votre vision de la pièce. Je vois souvent des gens perdus ou piégés dans leur traitement du volume. La création d’une marche à suivre pour déterminer vos prochains coups vous aide à comprendre les rendus et à produire des œuvres d’art plus rapidement. John Singer Sargent est célèbre pour sa capacité à transmettre cette règle dans ses peintures.

 

 

Vivacité des couleurs

Je continue en présentant une autre technique de peinture à l’huile qui est également pertinente dans la création d’art numérique. Il s’agit à l’origine d’une règle de contrainte matérielle appelée « épais sur mince ». Cependant, cette méthode a également un autre effet très profond sur la peinture sur laquelle elle est appliquée : la vivacité des couleurs.

 

Ce qui constitue la vivacité dans les médias numériques peut être résumé aussi simplement que ceci : Lorsque vous peignez, les couleurs les plus lourdes doivent être appliquées sur les calques supérieurs. Plus la couleur et son pourcentage sont forts sur les calques supérieurs, plus la peinture se démarquera et fluctuera en contrastes. Considérer cette règle juste après avoir établi votre composition est une étape importante qui affectera positivement votre rendu et vos choix de couleurs naturellement au fil du travail.

 

 

Peindre avec de la texture

Le terme Impasto désigne une technique traditionnelle avancée qui ajoute à une peinture une allure forte, sculpturale et presque 3D. Cet effet peut être créé numériquement pour améliorer les effets de texture et le rendu.

 

La création de l’Impasto sur format numérique nécessite une approche non transparente et l’utilisation de pinceaux opaques sur opaques. Les paramètres de gouache ou d’acrylique préenregistrés sont idéaux pour peindre cet effet.

 

En peignant exactement la même ligne avec un petit pinceau opaque sur la plus grande, vous pouvez donner vie à cet effet particulier. Ce rendu peut être poussé encore plus loin en ajoutant un calque intermédiaire sur lequel est tracé un trait noir juste avant l’utilisation de votre deuxième couleur.

 

Enfin, une sous-peinture noire peut également affecter positivement votre Impasto en définissant vos volumes. C’est une méthode qui était fréquemment utilisée par Van Gogh pour construire ses toiles.

 

 

Peindre avec contraste

L’illumination dramatique dans les médias traditionnels est une technique de rendu qui utilise un contraste fort entre les sources lumineuses. C’est une méthode percutante qui peut être résumée comme était un ombrage instantané directionnel et/ou volumétrique.

 

L’obtention de cet effet sur un format numérique nécessite l’utilisation de pinceaux semi-transparents et d’une couleur fixe chaude à basse température (rouge, orange, jaune) qui est apposée par coups successifs de chaque côté.

 

Comme la modélisation de la lumière n’affecte pas directement la couleur, c’est en fait le moyen le plus simple de produire des rendus très rapides et éloquents, car cette technique ne nécessite que de courtes variations de degrés de lumière pour être pertinente, au lieu de variables complexes de traits de dégradé.

 

 

Bravura

Bravura signifie virtuosité en italien. C’est souvent ce que les gens ressentent instantanément en regardant l’art de Velasquez, Titian, Vermeer, Goya ou Caravaggio. Il s’agit d’un sentiment de respect immédiat que de nombreux téléspectateurs ne peuvent pas expliquer correctement. De toutes les qualités que la plupart des peintres s’efforcent d’atteindre, c’est la plus élevée.

 

Le principe sous-jacent d’un coup de pinceau Bravura est une application habile des connaissances en peinture. Cet idéal est gravé dans chaque aspect que j’ai essayé d’énumérer ci-dessus. Vous entraîner en utilisant ces techniques vous aidera à bien saisir le concept Bravura et la profondeur qui est derrière. C’est une méthode complexe qui apporte naturellement vie et personnalité à vos tableaux, que vous soyez débutant ou peintre avancé.

 

 

À propos de l’artiste

Simon Goinard est un artiste français de concept et de développement visuel travaillant dans les industries du divertissement et de l’édition pour des clients comme 20th Century Fox, Ubisoft Entertainment, NBC, ArenaNet, The Walt Disney Company et plus encore. Il travaille également sur des projets parallèles développant de nouvelles technologies ainsi que sur ses illustrations personnelles. Certaines œuvres figurant dans cet article font partie de son travail le plus récent.
www.simongoinard.com
simongoinard.artstation.com