Conseils pour peindre les ombres et les lumières

Conseils pour peindre les ombres et les lumières

L'artiste Mili Koey explique comment peindre des ombres et des lumières à l'aide de techniques simples adaptées aux débutants en art numérique !

 

 

Bonjour tout le monde ! Dans ce tutoriel, je vous montrerai comment éclairer et ombrer vos dessins, mais il vous sera également utile si vous cherchez simplement à améliorer vos techniques d’éclairage !

 

Niveaux de gris

Commençons par jeter un coup d’oeil à ce niveau de gris :

 

 

À l’extrême droite se trouve le ton de lumière le plus clair, tandis qu’à l’extrême gauche se trouve le ton d’ombre le plus sombre. L’éclairage est un sujet complexe. Il existe même des artistes qui se consacrent exclusivement à l’éclairage.

Pour cette raison, et pour rendre le tutoriel accessible aux artistes de tous niveaux, je limiterai l’éclairage à une seule source de lumière principale.

 

Types d’éclairage

Les deux types d’éclairage les plus courants sont la lumière dure et l’éclairage d’ambiance.

 

 

Avec une lumière dure, la source de lumière est directe, intense et provient d’un point précis, de sorte que les ombres projetées sont fortes et très distinctes, avec des noirs plus noirs et des blancs plus blancs. Un exemple serait la lumière produite par une lampe de poche.

D’autre part, l’éclairage d’ambiance fait référence aux sources de lumière naturelle, comme le soleil. Ici, les lumières et les ombres sont plus douces et ne présentent pas autant de contraste.

 

Lumière dure

Avant d’appliquer les lumières et les ombres, je prépare une échelle de gris avec un maximum de six nuances. Vous pourrez ajouter d’autres nuances une fois que vous aurez acquis de l’expérience. Je vais peindre l’éclairage en tant que lumière dure, car c’est plus évident et plus facile à comprendre. Une fois que vous savez comment gérer la lumière dure, il vous sera beaucoup plus facile de travailler avec l’éclairage d’ambiance.

Je dessine directement la source de lumière pour la garder en vue. Certaines personnes aiment utiliser une flèche, mais je préfère dessiner un cône, car de cette façon la zone atteinte par la lumière est plus évidente.

 

 

La première étape consiste à peindre les ombres et les lumières principales pour savoir d’où vient la lumière. Ensuite, je monte ou descends les nuances une par une en me servant de l’échelle de gris que j’ai créée auparavant comme référence.

Comme vous pouvez le voir dans l’image ci-dessous, les ombres sont plus éloignées de la source lumineuse que les lumières. De plus, pour ajouter de la profondeur au dessin, il faut tenir compte des parties qui dépassent ou ont du volume, comme les cheveux, le menton, le nez ou la lèvre inférieure, pour y projeter des ombres également.

 

 

Avant de passer à l’étape suivante, j’aimerais partager quelques astuces qui m’ont beaucoup aidée à améliorer mon ombrage. Je vais utiliser l’image sur laquelle nous travaillons déjà comme référence.

Les parties avec des reflets, comme la mèche blanche encerclée en rouge dans l’image ci-dessous, projetteront toujours l’ombre principale également.

Suivant cette même logique, lorsque la lumière de l’objet diminue, l’ombre portée s’éclaircit également.

 

 

Une autre chose à garder à l’esprit est que les reflets, représentés par les blancs les plus blancs, doivent toujours se trouver dans les parties les plus proches de la source de lumière. Par exemple, dans mon dessin, la lumière provenant de l’épaule ne peut pas être aussi vive que celle provenant du visage ou des mèches de cheveux les plus proches de la source de lumière.

J’ai vu des artistes utiliser les mêmes tons pour leurs lumières et leurs ombres, quelle que soit la distance qui les sépare de la source de lumière. Retenez ces conseils et vous serez en mesure de placer vos ombres et vos lumières de manière beaucoup plus intelligente, réaliste et volumétrique.

 

Test d’éclairage

Maintenant que vous avez appris ces bases, exerçons-nous à placer la source de lumière sur différents endroits pour obtenir différents effets d’éclairage.

 

 

J’ai peint la couleur de base des bustes en utilisant la nuance 2 de la gamme de gris que j’ai préparée au début. En partant de cette nuance comme base, j’ajoute d’abord les reflets (nuance 0) et les ombres centrales (nuance 5). Puis, comme nous l’avons fait précédemment, j’applique les autres lumières et ombres en augmentant ou en diminuant les nuances une par une. Et n’oubliez pas les parties qui dépassent ou qui projettent des ombres ! Pour l’instant, je ne travaille qu’avec des bustes, mais si j’avais un corps complet, les bras, par exemple, pourraient également projeter des ombres sur le corps en fonction de leur position. Gardez toujours à l’esprit l’angle de la lumière.

Essayez différentes positions pour la source de lumière. Ne vous inquiétez pas si vous faites des erreurs au début. Lorsque vous avez terminé une position, passez à une autre. Une fois que vous les aurez tous maîtrisés, vous serez libre de travailler avec n’importe quel type d’éclairage.

 

Voici le résultat de mon test d’éclairage :

 

 

Les utilisateurs de CLIP STUDIO PAINT disposent également d’outils qui leur facilitent grandement la tâche, comme les mannequins 3D, que vous pouvez ombrer automatiquement à volonté en modifiant la position de la source de lumière, la forme du corps et la pose. Une fois que vous avez le mannequin 3D sur la toile, vous pouvez utiliser la fonction d’éclairage dans la palette de propriétés de l’outil > Appliquer une source de lumière. Pour modifier la position de la source de lumière, il suffit de faire glisser la sphère entourée en rouge dans l’image ci-dessous. La mise en place de l’éclairage de ces mannequins peut être une bonne référence pour les débutants ou si vous devez travailler avec une pose particulièrement complexe.

 

 

Ajouter de la profondeur avec des reflets

Certains de mes bustes manquent de profondeur, notamment ceux dont les ombres sont très denses. L’exemple le plus flagrant est celui du rétroéclairage, qui donne presque l’impression d’être peint en noir uni. Pour y remédier, je vais devoir passer à la vitesse supérieure en ajoutant des sources de lumière secondaires. Après tout, dans la vie réelle, il n’y a pas qu’une seule source de lumière, et elle n’est pas toujours proche du visage.

 

Ajoutons de la profondeur en additionnant de la lumière réfléchie. La lumière réfléchie ne provient pas directement d’une source de lumière, mais des réflexions générées dans la zone où la lumière frappe. Il peut s’agir du sol, du mur ou d’une table. Tous ces objets ne possèdent pas de lumière propre, mais ils la reflètent. Un exemple évident serait les réflecteurs ou diffuseurs utilisés dans la photographie professionnelle pour permettre à la lumière d’atteindre les zones plus sombres et d’enrichir la scène, ce qui est exactement ce que nous voulons. Gardez à l’esprit que les lumières réfléchies ne peuvent pas être aussi intenses que les sources lumineuses principales.

Dans l’image ci-dessous, vous pouvez voir les différences entre un buste avec une seule source de lumière principale et un buste avec une source de lumière principale et une lumière réfléchie.

 

 

Exercices pour accroître votre motivation

Dans la mesure du possible, essayez de vous entraîner avec des activités qui vous motivent.

Pour ma part, je me démotive rapidement si je dois reproduire des poses ou des photos, mais j’adore travailler avec des feuilles de modèle simples comme celle de l’image ci-dessous pour pratiquer mes techniques d’éclairage. Vous pouvez rechercher en ligne des poses de vos personnages préférés et essayer de leur appliquer différents types d’éclairage avec des sources lumineuses dans des positions différentes et de les ombrer avec un simple crayon.

En bref, avec les lumières d’ambiance, où l’éclairage est plus général, les lumières et les ombres sont plus douces, alors qu’avec la lumière dure, la transition entre les lumières et les ombres est plus dures et plus définies.

 

« LD » signifie source de lumière dure, tandis que « EA » signifie source d’éclairage d’ambiance. Les flèches indiquent la direction de la lumière.

 

Dans l’image ci-dessous, vous pouvez voir la feuille de modèle avec et sans lumière réfléchie. Cet effet, bien qu’il puisse être subtil, donne plus de profondeur à nos personnages.

 

 

Bien sûr, vous pouvez aussi pratiquer ce même exercice avec des photos réelles. Dans ce cas, vous devrez trouver une photo, l’analyser et étudier son éclairage pour la reproduire sur votre toile.

 

Nous arrivons ainsi à la fin de ce tutoriel. Je suis sûre qu’une fois que vous maîtriserez ces bases, vous serez en mesure de créer vos propres éclairages avec autant de sources de lumière que vous le souhaitez, y compris des éclairages réalistes et fantaisistes !

 

À propos de l’artiste :

Mili Koey
Illustratrice professionnelle.