Einen digitalen Comic erstellen: Schritt für Schritt erklärt

Man braucht sowohl Bilder als auch eine Handlung um einen Comic zu erstellen. Comics können natürlich auch von einem einzelnen Künstler erstellt werden, am effizientesten ist es aber den Produktionsprozess aufzuteilen. Im Allgemeinen ist die folgende Arbeitsteilung üblich.

Der erste Schritt um einen Comic zu erstellen, ist die Ideenfindung und -organisation. Bevor du mit dem Zeichnen anfängst, denke dir Hintergründe für deine Charaktere und eine Handlung für deinen Comic aus und schreibe sie auf. Überlege dir auch, wie sich die Charaktere entwickeln werden und welchen Einfluss diese Entwicklung auf die Handlung haben kann. Du kannst deinen Comic zunächst in Skriptform schreiben, und später dann Sprechblasen für Dialoge und Monologe der Charaktere hinzufügen. Das Schreiben des Skripts ist die Grundlage für alle weiteren Produktionsschritte.

Ein Beispiel für einen berühmten Skriptschreiber ist Stan Lee, der Schöpfer von „Spider-Man“.

Das Charakterdesign wird durch den Hintergrund bestimmt, den du dir im Vorhinein ausgedacht hast. Es ist üblich, Charaktere zunächst zweidimensional zu Zeichnen, so dass man den Betrachtungswinkel im Nachhinein noch beliebig ändern kann. Beim Charakterdesign ist es wichtig, deinen Charakteren individuelle Gesichtsmerkmale, Frisuren, Kleidung usw. zu geben. Um die Körperproportionen und die Balance zwischen Körper und Kopf richtig hinzubekommen, ist oft Trial-and-Error nötig. Besonders das Design des Protagonisten und seines Rivalen (Antagonist) ist wichtig. Die Handlung dient als Grundlage um Charaktere zu schaffen, die dem Leser in Erinnerung bleiben. Eine weitere Möglichkeit, einprägsame Charaktere zu schaffen, ist es, die Beziehung zwischen Ihnen im Design widerzuspiegeln, z. B. durch den Kontrast zwischen dem Farbschema des Protagonisten und des Antagonisten. Eine andere Möglichkeit wäre, die Nebencharaktere zurückhaltender zu gestalten als die Hauptcharaktere. Wenn Charakterdesigns spezifisch genug und gut gemacht sind, ermöglichen sie es den Zeichnern die Charaktere auf Anhieb zu verstehen, was für den weiteren Produktionsverlauf sehr hilfreich ist. Wenn man die Hintergründe der Charaktere schon früh ausarbeitet, erleichtert dies die Gestaltung der Panels und der Erstellung der Zeichnungen. Gutes Charakterdesign führt zu interessanten Charakteren, die sich im Laufe der Geschichte fast von selbst weiterentwickeln.

Sobald du mit dem Skript und dem Charakterdesign fertig bist, musst du dich für ein Layout für deine Panels entscheiden. Für die Gestaltung eines Comics ist es wichtig, die Umgebung der Figur verständlich darzustellen und ein Gefühl von Realismus zu vermitteln. Eine Komposition, die es dem Zuschauer ermöglicht, alle Details der „Bühne" zu sehen, wird oft als „Eröffnungsszene" bezeichnet und dient dazu, Verwirrung über den Standort der Figuren zu vermeiden. Dies ist besonders hilfreich, wenn es am Anfang einer Szene eingesetzt wird.
Wenn deine Handlung einen logischen Strang verfolgt, vermitteln deine Szenen auch ohne Text oder Monologe leicht den Fluss der Geschichte.
Szenen, die hauptsächlich aus Dialogen bestehen, bestehen in der Regel aus vielen Aufnahmen von Figuren, aber du solltest das Gesamtformat und den Fluss, einschließlich der Position der Sprechblasen, im Auge behalten. Wenn man sich an diese wenigen kompositorischen Prinzipien hält, kann man gute sequenzielle Kunst schaffen.

Künstler, die erste Skizzen anfertigen, werden „Penciller" genannt, während diejenigen, die die Skizzen mit Tinte übermalen, „Inker" genannt werden. Heutzutage werden digitale Anwendungen wie CLIP STUDIO PAINT und Photoshop mehr und mehr für Lineart und Kolorierungen eingesetzt.

Traditionell wurden für Lineart in Comics häufig Multiliner-Stifte verwendet, die gleichmäßige Linien zeichnen. Die Grundtechniken bleiben auch beim digitalen Inken gleich. Der in Clip Studio Paint vorinstallierte digitale Pinsel „Milli Pen" zum Beispiel reproduziert einen ähnlichen Zeichenstil wie ein Multiliner-Stift.

Die Abbildung auf der linken Seite zeigt eine mit einem digitalen Pinsel gezeichnete Lineart, aber man man kann sehen, dass die Hand auf der rechten Seite mit Blick auf die Beleuchtung schattiert ist. Schattierung in der Phase der Strichzeichnung erleichtert später das Kolorieren. Einzelheiten findest du in diesem Artikel.

Der Künstler, der die Kolorierung vornimmt, wird „Colorist" genannt. In der analogen Zeit wurde mit Farbtinten koloriert. Die derzeit gängigste Methode zum Kolorieren ist die Verwendung von sog. „Füll-Werkzeugen“ in Anwendungen wie CLIP STUDIO PAINT oder Photoshop, um flächige Farben aufzutragen und dann Schatten und Lichter hinzuzufügen.

Bei Schwarz-Weiß-Mangas werden helle und dunkle Töne manchmal durch Rasterfolien ausgedrückt. Unterschiedliche Anzahlen von Linien, unterschiedliche Dichten und Abstufungen werden verwendet, um der Szene Schärfe zu verleihen. In CLIP STUDIO PAINT kannst du mit einem einzigen Klick Rasterfolien und Gradierungen anwenden.

Die Arbeit kann auch dadurch vereinfacht werden, dass 3DCG-Objekte im Hintergrund platziert werden. Sie können nicht nur als Zeichenhilfe für eine vorläufige Skizze dienen, sondern auch für das Rendering im Ist-Zustand oder für Cel-Shading verwendet werden.

Der Prozess des Schreibens von Textzeilen, Erzählungen, Soundeffekten usw. wird als Lettering bezeichnet. Die Auswahl von passenden Schriftarten ist essentiell. Bei Sprechblasen werden die Grundfarbe und das Layout an die Szene angepasst, und die Soundeffekte werden farblich und typografisch auf die Komposition abgestimmt.
In CLIP STUDIO PAINT kann das Sub-Tool Sprechblasenstift verwendet werden, um ganz einfach Sprechblasen zu erstellen, die wie handgezeichnet aussehen, und eine Vielzahl von Sprechblasenmaterialien kann bei CLIP STUDIO ASSETS heruntergeladen werden.

Der Export digitaler Comics aus der Software in digitale Formate wie PDF und EPUB ist notwendig, um digitale Comics zu veröffentlichen. Die Exportformate variieren je nach der Webplattform, auf der der Comic veröffentlicht werden soll. CLIP STUDIO PAINT unterstützt den Export in einer Vielzahl von Formaten, darunter PDF, EPUB, PSD und PNG. Die Dateiformate sind anders, wenn du sie in deine sozialen Medien hochlädst oder eine digitale Vertriebsplattform nutzt.

Die Arbeitsteilung bei der Comicproduktion ist von Land zu Land unterschiedlich. Manga werden in der Regel für den japanischen Markt gedruckt und in der Regel von einem Künstler erstellt, der für Geschichte und Zeichnung verantwortlich ist und von Zeichenassistenten unterstützt wird. Bei einigen Mangas ist eine Person für das Schreiben der Geschichte und die andere für das Zeichnen zuständig. In koreanischen Webtoons ist es üblich, dass es einen Skriptschreiber, einen Layouter, einen Zeichner und einen Koloristen gibt. In einigen Fällen ist ein einziges Produktionsunternehmen für den gesamten Prozess verantwortlich, während andere Firmen sich nur auf die Koloration spezialisieren.

Die Arbeitsteilung bei Comicproduktion

Im Folgenden wird die Arbeitsteilung namhaften amerikanischen Comics beschrieben. Je nach Titel kann eine Person für mehrere Aufgaben zuständig sein.

Rollenverteilung in Comic-Produktionsteams

Der größte Vorteil der Arbeitsteilung in der Comicproduktion ist die Optimierung der Arbeitsabläufe. Anstatt dass ein Künstler persönlich alles produziert, übernimmt der Verlag/die Produktionsfirma die Regie über den Comic und die Figuren und ermöglicht so eine reibungslose Produktion mit einem einheitlichen Rahmen.

Autoren und ihr Beitrag

Die Ideen des Autors, die die Grundlage der Geschichte bilden, tragen zu allen Aspekten der Figuren und der Geschichte bei. Digitale Comics können zu Inhalten wie Animations- und Live-Action-Filmen erweitert werden, wenn die Figuren beliebt sind. Es ist die Schöpfung des Autors, die die Grundlage für alles bildet.

Künstler und ihr kreativer Prozess

Um die Ideen des ursprünglichen Schöpfers in einen Comic zu verwandeln, ist es wichtig, dass der Künstler visuelle Elemente wie Figuren und Requisiten entwirft und der Autor die Geschichte durch das Schreiben des Drehbuchs weiterführt.
Panels werden auf der Grundlage beider Elemente betrachtet und die gesamte Seite wird dementsprechend gestaltet.
Der Zeichner, der auf der Grundlage des Panelentwurfs erste Skizzen anfertigt, wird Penciller genannt.

Der inker verleiht dem Kunstwerk Tiefe

Inker arbeiten oft nur einer groben Skizze als Grundlage. Sie zeichnen nicht nur einheitliche, klare Linien, sondern schattieren auch je nach Lichtquelle, um dem ganzen Dynamik zu verleihen.

Der Colorist sorgt für anziehendere Optik

Die Coloristen koloriert auf der Grundlage der Lineart. Sie bemühen sich, die Grundfarben entsprechend der Zeichnung aufzutragen und Schatten und Lichtquellen zu setzen. Die Hintergründe können realistisch oder comicartig sein, und der visuelle Reiz kann durch die Variation von Linien und andere persönliche Noten verstärkt werden.

Letterer / Schriftsetzer

Bei amerikanischen Comics gibt es Letterer, die den Text in Sprechblasen und für Lautmalerei von Hand zeichnen. Heute werden zwar in der Regel digitale Schriftarten verwendet, aber manchmal wird noch mit handgemalten Sprechblasen und Text gearbeitet.

Redakteure, Lektoren und Qualitätskontrolle

Der Verlagslektor steht in allen Phasen des Prozesses in Kontakt mit den Künstlern und verwaltet den Fortschritt. Das Arbeiten mit einem Lektor ermöglicht eine einheitliche Qualitätskontrolle, ohne dass die Persönlichkeit eines einzelnen Künstlers bevorzugt wird.

Workflow-Optimierung

Es gibt eine Vielzahl von Methoden, wie der Prozess der Comicproduktion mit einem großen Team optimiert werden kann.

Effizientes Projektmanagement

Die großen Label und Verlage haben zwar oft Mitarbeiter die vor Ort in einem Büro arbeiten, aber da man heutzutage auch über das Internet kommunizieren kann, wird die Onlinearbeit zunehmend normalisiert. Je nach Arbeit können die Aufgabenbereiche fließend sein, z.B. kann es vorkommen, dass ein Inker die Arbeit eines Coloristen übernimmt.
Der Lektor kann den Fortschritt der Arbeit überwachen, um eine effiziente Produktion zu gewährleisten.

Nutzung digitaler Tools für die Zusammenarbeit

Digitale Tools sind aus der heutigen Comicproduktion nicht mehr wegzudenken. Eine einzelne Datei kann von mehreren Personen gleichzeitig online bearbeitet werden. CLIP STUDIO PAINT verfügt über eine Teamproduktionsfunktion, mit der mehrere Personen in Echtzeit an einem Werk zusammenarbeiten können.

Einfachere Kommunikation

Für den Austausch von Manuskripten werden von den Produktionsfirmen neben E-Mail auch Kommunikationskanäle wie Chatrooms und Videokonferenzen genutzt. Künstler, die für die oben genannten Produktionsprozesse zuständig sind, können bereits in einem frühen Stadium Bildtafeln und Charakterentwürfe austauschen, was zu einer reibungslosen Produktion führt.

Vor- und Nachteile der internationalen Zusammenarbeit

Immer häufiger kommt es vor, dass Künstler aus verschiedenen Ländern gemeinsam an einem Projekt arbeiten.

Zugang zu einem breit gefächerten Talentpool

Die Verlage verwalten vielversprechende Talentpools zentral und können Autoren und Künstler aus dem Ausland beauftragen, wenn sie gut zu dem Werk passen.

Kosteneffizienz und Flexibilität

Die Verwaltung eines Talentpools führt zu Kostensenkungen für die Verlage, da sie Aufträge erteilen können, ohne direkt einstellen und ausbilden zu müssen. Für Künstler aus dem Ausland entfallen außerdem die Kosten für einen Umzug und sie können ihre Zeitpläne flexibel gestalten.

Kulturelle und sprachliche Barrieren

Da es heutzutage sicherlich mehr Möglichkeiten gibt, sich an international produzierten Werken zu beteiligen, ist es von Vorteil, die Sprache des Landes des Verlegers zu lernen. Denn es ist wichtig, Feedback sofort zu verstehen, um an einer Produktion mitarbeiten zu können.
Auch das Produktionstempo und die Regeln sind von Region zu Region und von Verlag zu Verlag unterschiedlich, so dass es notwendig ist, diese Unterschiede zu kennen, bevor man einen Auftrag annimmt.

Zeitunterschiede

Zeitzonen werden zu einem Problem, wenn man zwischen weit entfernten Orten kommuniziert, z. B. zwischen Asien und Europa oder den Vereinigten Staaten. Während die Produktionsaufgaben an die Zeit im eigenen Land angepasst werden können, werden Besprechungen und Abgabetermine im Allgemeinen an die Geschäftszeiten in der Zeitzone des Verlags angepasst.

Nahtlose Koordination und Qualitätskontrolle

Die digitale Comic-Produktion ermöglicht die Arbeit mit einem vielfältigen Team, aber was muss man beachten, um eine reibungslose Beteiligung am Produktionsprozess zu gewährleisten? Hier sind ein paar Besipiele.

Festlegung klarer Leitlinien und Erwartungen

Zunächst ist es wichtig, die Richtlinien des Verlags zu befolgen. Man muss im Voraus herausfinden, ob die eigenen Fähigkeiten der vom Verlag geforderten Qualität entsprechen und ob man die Fristen einhalten kann.

Regelmäßige Kommunikation und Feedback

Kommunikation im Team Neben der Lieferung des fertigen Produkts kann die Einholung einer Überprüfung im Entwurfsstadium und die Berücksichtigung von Rückmeldungen dazu beitragen, den Arbeitsaufwand zu verringern.

Kulturelle Unterschiede anerkennen

Bei der Arbeit an einem internationalen Projekt muss auch die Kultur des Landes des Herausgebers beachtet werden. Man sollte das Produktionstempo an das der Teammitglieder anpassen, einschließlich der Flexibilität der Zeitpläne und der Häufigkeit der Kommunikation.

Qualitätssicherungsmaßnahmen

Wie man die Qualität der Arbeit aufrechterhält, hängt vom Verlag ab, aber es gibt einige Dinge, die man im Voraus überprüfen kann, um einen reibungslosen Ablauf zu gewährleisten. Man sollte versuchen, konventionelle Produktionsmethoden zu befolgen, indem man prüft, ob es eine bestimmte Software oder digitale Pinsel gibt oder ob grundlegende Farbsätze gemeinsam genutzt werden.

Dies ist eine generelle Einführung in den Produktionsprozess von digitalen Comics, einschließlich der Arbeitsteilung und der einzelnen Rollen.
Zusammenfassend möchten wir auf einen wichtigen Punkt hinweisen. Es ist wichtig, jeden Prozess zu verstehen, der zum Gesamtablauf beiträgt, und sich nicht nur auf das Verständnis einer Aufgabe zu beschränken. Der Zeichner muss die Absichten des Autors verstehen, und auch der Autor muss das Endergebnis im Blick haben.

Wenn du Comiczeichner werden willst, solltest du versuchen, die einzelnen Prozesse zu üben und herauszufinden, wofür du dich begeistern kannst.
Mit CLIP STUDIO PAINT lassen sich ganz einfach Panel-Layouts und Sprechblasen erstellen, und es ist eine tolle Möglichkeit, alles mögliche auszuprobieren. Zusätzlich zu den vorinstallierten Pinseln können weitere Materialien aus Clip Studio ASSETS heruntergeladen werden, um das Zeichnen effizienter zu gestalten.
Nutze diese Tools, um deine Reise in die Welt der Comics zu beginnen!