Cómo dibujar un vestido con volantes y mangas abullonadas

 

 

¡Hola~!

Me llamo Martina, pero en Internet se me conoce como Mortinfamia 🙂

 

Uno de mis procesos favoritos a la hora de crear ilustraciones es diseñar la ropa de mis personajes. Me gustan los volantes, las faldas largas, las mangas abullonadas y cualquier prenda con volumen; ¡dan dinamismo a la imagen y vida a los personajes!

 

 

Hoy diseñaremos un vestido con todos estos elementos y veremos varios trucos para dibujarlos más fácilmente.

 

Soy dibujante de cómics e ilustradora digital. Para este tutorial, he utilizado CLIP STUDIO PAINT, ya que es mi software favorito de dibujo digital (además del software con el que trabajo). No te preocupes si no dispones del programa, pues podrás seguir los pasos usando las herramientas equivalentes de tu software de dibujo.

Dicho esto, ¡empecemos! Aunque…, ¿por dónde?

 

Cómo dibujar volantes básicos

El primer paso es trazar una línea ondulada que no esté muy definida y que tenga los bordes suaves. Esta es la línea más importante: ¡será la base para nuestros volantes! Luego, debemos dibujar la parte exterior del pliegue de la tela e indicar la ubicación del dobladillo. ¡Ya casi hemos terminado! Para hacerlos más bonitos e imitar la tela real, dibujamos pliegues en las partes más planas.

 

 

Esta es la base de cada pliegue y volante. ¡También puedes aplicar estos mismos pasos a los adornos! Dibújalos más pequeños si vas a decorar una blusa o una solapa y hazlos más grandes para las faldas.
Lo mejor es que puedes usarlos como parte esencial para un vestido o como un mero elemento decorativo para prendas más sencillas. ¡Todo depende del tamaño de los volantes!

 

Viste a tu personaje

1. Falda y volantes

La teoría está muy bien, ¿pero cómo la aplicamos para dibujar nuestra ropa?
Lo primero es abocetar a nuestro personaje. Puede parecer trivial, pero en realidad es algo esencial. Si tenemos clara la idea del dibujo y abocetamos bien la pose del personaje antes de añadir el vestido, podremos dibujar con mayor precisión la física del tejido y corregir más fácilmente los posibles errores (las proporciones, la física de la ropa, etc.). Si dibujamos el vestido a ciegas sin un modelo, es probable que cometamos errores en la anatomía difíciles de corregir más adelante.

Puedes entintar el borrador como he hecho yo, pero no es necesario.

 

 

Primero, ¡dibujemos el vestido de nuestro personaje para encontrar una silueta que nos guste! Una vez que lo tenemos listo, podemos empezar a detallarlo.

 

Para la planificación y el diseño inicial, utilizo un lápiz hecho específicamente para abocetar. Lo utilizo con la Estabilización ajustada a 4 y con el primer nivel de Suavizado. Aquí puedes ver su configuración:

 

 

Empecemos con una blusa aplicando lo que acabamos de aprender para decorar la zona del pecho con volantes (1). Mi personaje tiene una cintura pequeña, así que un corsé sobre la blusa seguramente le quede bien. También añado algunos pliegues en la parte inferior para darle más realismo (2).

 

¡Y aquí tienes un consejo para dibujar mangas abullonadas! Imagina un caramelo en su envoltorio. Ahora imagínate el papel aún doblado y envolviendo el caramelo, pero sin el caramelo dentro. Esto debería dar como resultado en tu mente dos partes estrechas y apretadas y otra más voluminosa y suave. Pues así es como debes dibujar las mangas abullonadas 🙂 (3)

 

 

¡Pasemos a la parte inferior de las mangas! (4) Presta atención a cómo la gravedad afecta al tejido: recuerda que las líneas onduladas de los pliegues de las mangas deben rodear los brazos. Si quieres una tela ligera y voluminosa, puedes agrandar los pliegues. Aplica la misma técnica en ambas mangas.

 

Ahora el corsé: seguimos la línea que va del pecho hasta las caderas y dejamos el frente un poco abierto (1). Después, solo necesitamos unir el frente y detallar ligeramente la costura (2).

Nota: Hay muchos tipos de corsé, pero este es el más sencillo y fácil de dibujar. Si quieres un corsé más complejo, puedes decorar la apertura trasera añadiéndole algún cordón o transformándolo directamente en un corsé de bajo pecho que termine por encima del ombligo. ¡No dudes en buscar en Internet referencias para inspirarte! Las webs tipo Pinterest contienen mucho material que puede servirte.

 

 

Los volantes de la falda son iguales que los de las mangas, solo que más grandes. ¡Así que puedes simplemente reutilizarlos cambiándoles el tamaño! Para entender la física de los pliegues más grandes, intentaremos dibujar un par de flechas guía que nos muestren el movimiento (línea roja) de la falda. Lo siguiente es dibujar los pliegues siguiendo estas flechas para darles naturalidad.

Como quería que la falda fuera lisa y sin textura, he añadido una combinación (2) mostrándose bajo algunos pliegues para que la imagen sea más dinámica y tenga más detalle. Puedes optar por un patrón simple, ¡pero los complejos también funcionan! De nuevo, ¡intenta ver referencias para inspirarte!

 

 

Por lo general, me gusta trabajar con mucha precisión en mis diseños. Siempre organizo todos los elementos de mis dibujos en capas separadas, sin importar si es una imagen compleja o un diseño sencillo. Me ayuda a entender a primera vista el nivel en el que está cada cosa y si necesito añadir o borrar algo. Además, me permite corregir cualquier elemento sin necesidad de tocar el resto.
Cambio el nombre de mis capas en función de lo que contienen (en este caso, en inglés): SKIRT, PETTYCOAT/DETAILS, BUST y SHIRT.

 

 

¡Ya tenemos listo nuestro atuendo!

 

2. Color

Ahora que nuestro personaje ya tiene su ropa puesta, es hora de entintar y colorear la imagen a nuestro gusto. ¡Démosle vida a nuestro personaje!

 

 

Siempre uso la Plumilla G para entintar. Es supersuave y precisa, perfecta para line arts limpios (¡mis favoritos!).

 

 

Ya tenía el line art del cuerpo hecho, así que lo dejé en una capa separada con baja opacidad y entinté la ropa en otra. De nuevo, el nombre de las capas indica lo que contienen: LINEART, Only Body y Only Dress.

 

 

Una vez que tengo el personaje entintado, paso a las sombras: tras determinar el origen de la luz que afectará a mi personaje, sombreo el lado opuesto del cuerpo.
Intenta estudiar objetos reales para entender cómo funcionan los claroscuros. ¡Te ayudará a pintarlos después en tus imágenes! Hay muchas cosas que debes considerar al sombrear a tu personaje: las sombras proyectadas, el propio sombreado, el grosor de la ropa… La teoría de las sombras es fascinante, y muy útil para crear imágenes creíbles.

 

 

Una vez que hemos decidido la dirección de la fuente de luz (en nuestro caso, a la izquierda), terminamos las sombras y aplicamos los colores base que queremos.
Siempre coloco la capa del sombreado encima de la de los colores planos. ¡Así puedo configurar la capa del sombreado en el modo de combinación Multiplicación! Es un buen truco para combinar fácilmente y a la perfección las sombras con los colores que hay debajo.

 

Intenta evitar los grises planos y los negros de baja opacidad para tus sombras. Es mejor usar colores claros como un lila, un rosa cálido o un azul pálido. Dan más dinamismo y personalidad a la ilustración.

 

 

¡Ya casi hemos terminado!

A continuación, suelo agregar unos cuantos reflejos en el pelo, los ojos y la piel. Me encantan este tipo de detalles, ¡le da un bonito efecto de brillo a la cara y a la figura del personaje!

 

A veces dejo esta capa en modo Normal, pero suelo cambiarla al modo Superponer. Como ya hemos dicho anteriormente, estos modos ayudan a combinar nuestros detalles con los colores inferiores.

 

 

Dejo para el final la iluminación y el color del line art. Es algo a lo que me he acostumbrado desde que comencé con el dibujo digital. No me gusta que mi line art se quede en un simple negro. Me resulta estático, así que prefiero usar un tono más oscuro del color sobre el que está el line art.

Por ejemplo, el pelo de mi personaje es verde, así que oscurezco ese verde para pintar el contorno del pelo. Hago lo mismo con la piel y la ropa.

Me encanta el resultado de esta técnica. ¡No podría vivir sin mi line art de colores!

 

 

En cuanto a la iluminación, me conformo con añadir algunos toques generales para mejorar la atmósfera con una capa en modo Superponer. Normalmente combino un color cálido con uno frío y los aplico a modo de degradado sobre el personaje. El degradado del primero, generalmente el color cálido, empieza en la dirección de mi fuente de luz, mientras que el del frío lo aplico en la dirección opuesta.

Este detalle da más interés a la atmósfera y a los colores del personaje… ¡y con muy poco esfuerzo!

 

 

¡Ahora sí, nuestra imagen está terminada!

 

 

Si acabas de iniciarte en el mundo del arte digital, seguramente te cueste diseñar vestidos complejos y adornos realistas. No te preocupes, ¡todo es cuestión de tiempo y práctica! Espero que este tutorial te ayude a recorrer más rápido ese camino. Conforme vayas dando tus primeros pasos en la dirección correcta, te irás alejando también de este tipo de tutoriales y descubrirás tus propias técnicas y estilos de dibujo. No pasa nada si al principio las cosas no salen como las tenías planeadas. ¡Tú sigue dibujando y no tires la toalla! Nadie nace siendo un genio; ¡la gente necesita practicar, además de ganas de aprender y mejorar para dominar cualquier cosa!

La perseverancia es la clave para sacar lo mejor de nuestro artista interior.

Espero que hayas disfrutado del tutorial y te hayas divertido siguiéndolo.
¡Y muchas gracias por invertir tu tiempo en leerme!

Mortinfamia ~