Cómo pintar fácilmente luces y sombras

Cómo pintar fácilmente luces y sombras

Mili Koey nos enseña cómo pintar los claroscuros de nuestros dibujos usando técnicas aptas incluso para principiantes del arte digital. ¡No te lo pierdas!

 

 

¡Hola! Os doy la bienvenida a este tutorial en el que aprenderemos a iluminar y sombrear nuestras ilustraciones, ¡aunque también te será de ayuda si simplemente buscas mejorar tus técnicas de iluminación!

 

Escala de grises

Empecemos echando un vistazo a esta escala grises:

 

 

En el extremo derecho, tenemos el tono que equivaldría a la luz más clara, mientras que en el borde izquierdo tenemos el tono que representaría la sombra más oscura.

La iluminación es un tema complejo y profundo. De hecho, incluso hay quien se dedica, ya sea en la ilustración o en la fotografía, exclusivamente a la iluminación.

Debido a esto, y para que el tutorial sea accesible para todo tipo de artistas, independiente de su nivel, nos limitaremos a la iluminación utilizando una sola fuente de luz principal.

 

Tipos de luz

Solemos encontrar dos tipos de luces: la luz focal y la luz ambiental.

 

 

En la luz focal o puntual, la fuente de luz es directa, intensa y proviene de un punto concreto, por lo que las sombras proyectadas son fuertes y contrastadas, con negros más negros y blancos más blancos. Un ejemplo podría ser la luz de las linternas.

En la luz ambiental o general, por otro lado, y como su propio nombre indica, tenemos la iluminación natural o de ambiente, como puede ser la del sol. Aquí los claroscuros son más suaves y no contrastan tanto.

 

Claroscuros con luz focal

Antes de aplicar las luces y las sombras, vamos a preparar una pequeña escala de grises con un máximo de seis tonos. Una vez que tengamos más experiencia, podremos usar más. Pintaremos los claroscuros usando una luz puntual, ya que es más evidente y fácil de entender. Una vez que sepamos manejarnos con la luz focal, nos será mucho más fácil trabajar con la luz ambiental.

Para no perder de vista nuestra fuente de luz, vamos a dibujarla directamente. Hay quienes la indican con una flecha, pero yo prefiero hacerlo en forma de cono, ya que así me queda mucho más clara la zona que abarca la luz.

 

 

Lo primero que hago es pintar las sombras máximas y las luces máximas para saber el origen de ambas. Una vez que las tengo listas, voy bajando o subiendo los tonos de uno en uno usando la escala de grises que he preparado antes.

Como se aprecia en la siguiente imagen, las sombras siempre van a estar más alejadas de la fuente de luz que las luces. Además, para dar un efecto tridimensional al dibujo, debemos tener en cuenta las zonas que sobresalen o que tienen volumen, como pueden ser el pelo, la barbilla, la nariz o el labio inferior, para proyectar ahí también las sombras (sombras proyectadas o arrojadas).

 

 

Antes de continuar, me gustaría compartir algunos consejos que me ayudaron mucho en su momento para sombrear con mucha mayor eficacia. Usaremos como referencia la imagen con la que estamos trabajando.

Los elementos con luces máximas, como el mechón blanco indicado con un círculo rojo en la siguiente imagen, siempre van a proyectar también la sombra máxima.

Siguiendo esta misma lógica, conforme la luz del elemento se atenúa, la sombra proyectada también se va volviendo más suave.

 

 

Otra cosa que debemos tener en cuenta es que las luces máximas, representadas con los blancos más puros, siempre estarán en los elementos más cercanos a la fuente de luz. En el caso de nuestro dibujo, si bien el hombro también está bastante iluminado, su luz no puede ser tan clara como la del rostro o la de los mechones del pelo más cercanos al foco.

He visto artistas que utilizan los mismos tonos para sus luces y sombras, independiente de la distancia a la que se encuentren de la fuente de luz. Si recuerdas estos consejos, podrás evitarlo y colocar tus claroscuros de una forma mucho más inteligente, realista y volumétrica.

 

Pruebas de iluminación

Con estos conceptos básicos estudiados, podemos empezar a practicar colocando el foco en sitios diferentes para lograr distintas iluminaciones.

 

 

El color base que he usado para todos los bustos es el tono 2 de la escala de grises que preparamos al principio. Partiendo de ese tono como base, añado primero las luces máximas (tono 0) y las sombras máximas (tono 5). Después, como ya hemos visto anteriormente, vamos bajando o subiendo los tonos de luces y sombras de uno en uno utilizando su luz o sombra equivalente. ¡Y no te olvides de los elementos que sobresalen o que arrojan sombras! Ahora solo estamos trabajando con bustos, pero si tuviésemos un cuerpo completo, los brazos, por ejemplo, también podrían proyectar sombras sobre el cuerpo en función de su posición. El ángulo de la luz también es muy importante, por supuesto.

No tengas miedo de arriesgarte y probar todo tipo de posiciones para el foco. Es normal que te equivoques al principio, pero de los errores se aprende. Cuando termines con una posición, pasa a otra distinta. Una vez que tengas todas dominadas, ¡no habrá iluminación que se te resista!

 

Aquí te dejo el resultado:

 

Los usuarios de CLIP STUDIO PAINT, además, contamos con herramientas que pueden facilitarnos mucho la tarea, como las figuras 3D, que podemos iluminar automáticamente a nuestro antojo editando tanto la posición del foco de luz como la pose y el tipo de cuerpo. Una vez que tenemos la figura en el lienzo, podemos acceder a la función de iluminación yendo a la paleta de Propiedad de herram. > Aplicar fuente de luz. Para editar la posición del foco, solo hay que arrastrar la esfera indicada en la imagen de abajo con un círculo rojo. La iluminación de estas figuras puede ser una buena referencia para quienes se están iniciando y para quienes necesitan trabajar con una pose especialmente compleja.

 

 

Cómo aplicar volumen con la luz reflejada

Retomando el ejercicio anterior de pruebas de iluminación con bustos, es fácil darse cuenta de que en algunas al personaje le falta tridimensionalidad, especialmente en aquellas con sombras muy densas que ocupan gran parte de la imagen. El ejemplo más obvio es la que está a contraluz, que casi parece que esté compuesta únicamente por un negro plano. Para solucionarlo, tendremos que llevar nuestra iluminación al siguiente nivel añadiendo focos de luz secundarios. Después de todo, en la vida real no hay un único foco ni siempre se encuentra cerca de la cara.

 

Empezaremos por darle más volumen al dibujo usando un tipo de iluminación llamada luz reflejada. Como ya imaginarás, la luz reflejada no proviene directamente de un foco, sino de los reflejos que se generan en la zona donde incide esa luz del foco. Esa zona puede ser el suelo, la pared o una mesa. Todos estos elementos carecen de luz propia, pero la reflejan. Podemos poner un ejemplo más obvio: el típico panel reflector que se usa en fotografía profesional para que la luz llegue a las zonas más oscuras y dé mayor riqueza y volumen a la escena, justo lo que queremos lograr nosotros también.

Las luces reflejadas no pueden ser tan intensas como las de los focos principales. Sé que suena lógico, pero prefiero mencionarlo porque es un detalle muy importante.

A continuación, te dejo la comparación de un busto con solo un foco de luz principal y con un foco de luz principal y luz reflejada.

 

 

Ejercicios para aumentar tu motivación

Siempre que sea posible, te recomiendo que realices tus estudios de iluminación o de cualquier otra materia realizando actividades que te motiven.

En mi caso, pierdo enseguida la motivación si tengo que trabajar copiando poses o fotografías, por ejemplo.

Intento practicar con elementos que me motiven; por ejemplo, las model sheet, como la de la imagen de abajo. Con ellas nos ahorramos tener que dibujar el personaje cuando solo queremos practicar nuestras técnicas de iluminación. Puedes buscar en Internet poses de tus personajes favoritos e intentar aplicarles varios tipos de iluminación con los focos en diferentes posiciones, sombreando únicamente con el lápiz según la iluminación que hayas determinado para esa pose en particular.

Repasemos: en la luz ambiental, donde la iluminación es más general, encontramos claroscuros más suaves. Por el contrario, en la luz focal, los claroscuros contrastan mucho más.

 

 

“P.D.” significa punto de luz duro o focal, mientras que “P.A.” es punto de luz ambiental. Las flechas indican la dirección de la luz.

 

También te dejo una comparación de esta misma model sheet con luz reflejada y sin ella. Efecto que, si bien puede resultar sutil, da más profundidad a nuestros personajes.

 

 

Por supuesto, también podemos practicar este mismo ejercicio con fotografías reales, en cuyo caso tendríamos que buscar una fotografía, analizarla y dibujarla estudiando su iluminación para entenderla y reproducirla en nuestro lienzo.

 

Y así llegamos al final de este tutorial. Estoy segura de que una vez que domines los conceptos básicos que hemos visto hoy, podrás crear tus propias iluminaciones con tantos focos como quieras. Ni siquiera tendrás que limitarte a acabados realistas, ¡también podrás inventarte iluminaciones de fantasía!

 

Sobre la autora:

Mili Koey

Ilustradora profesional.