Fundamentos de la ilustración aplicados a la estética goth

Fundamentos de la ilustración aplicados a la estética goth

Tomando como ejemplo su inconfundible estética gótica victoriana, la ilustradora Abigail Larson, ganadora de un premio Hugo, nos presenta los fundamentos de la ilustración, que te ayudarán a conseguir que tu ilustración impresione a la audiencia independientemente del estilo que elijas.

 

1. Introducción

Una ilustración bien ejecutada no es solo una imagen con un estilo diferenciado del resto, sino la suma de una buena composición, una buena forma y unos colores y valores adecuados. Si entendemos la importancia de estos elementos podremos crear una obra que quede grabada en la retina del espectador y comunique efectivamente la idea que queremos ilustrar.

 

En esta lección voy a hablar de estos elementos en mis propias ilustraciones y de cómo los incorporo a mi estilo.

 

 

2. El tema central de la ilustración

¿Qué vas a dibujar? Sopesar las posibilidades estilísticas

 

Primero tengo que decidir lo que quiero dibujar, el tema, los detalles y el fondo. Como me encanta el gótico victoriano, para esta ilustración he decidido dibujar el espectro de una mujer enigmática cruzando unas ruinas antiguas. Encima del arco hay tres criaturas que la observan.

 

 

3. Varios conceptos (brainstorming)

Visualizando ideas desde otro punto de vista

 

Para calentar, comienzo dibujando bocetos muy generales. Tanto si la ilustración representa humanos, monstruos o animales, lo importante es comprender la anatomía de estas figuras y cómo se mueven. Solo así serás libre de cambiar su postura con seguridad mientras trazas los bocetos iniciales.

 

El movimiento es importante en la ilustración, porque tenemos que pensar cómo se va a mover el ojo del espectador por la imagen de manera que capture todos los detalles y se deje envolver por esta. Queremos que, aunque se trate de una escena que dé sensación de calma, la imagen no esté estancada. El método que sigo para lograrlo es bastante sencillo. Por ejemplo, muestro una figura que está dando un paso y agrego hojas cayendo que cruzan la página en diagonal en lugar de caer en línea recta hacia abajo.

 

 

4. Investigación

Inspiración para la ilustración; recopilación de materiales de referencia

 

Mientras voy probando ideas, también investigo buscando referentes para los detalles de la obra, como el arco en ruinas y el elaborado vestido de la figura principal. También me gustan las imágenes que evoquen una emoción parecida a la que quiero conseguir en mi ilustración. Como me encanta la estética oscura y gótica mezclada con fantasía, en mis obras cobran mucha importancia los tejidos imponentes y las poses elegantes. Mi inspiración viene sobre todo de artistas de la Edad de oro de la ilustración, como Arthur Rackham, Edmund Dulac, John Bauer y Ida Rentoul Outhwaite. Me encantan la exuberancia y la elegancia de sus obras, en particular cuando las combinan con elementos más sombríos como las brujas y los monstruos de los cuentos de hadas.

 

5. Estudios

Comprender la forma de cada uno de los elementos de la ilustración y entender qué aportan en términos de narratividad

 

Yo suelo abocetar las figuras de la imagen por separado, y además hago varias versiones hasta que consigo una forma que me satisface.

 

 

6. Borrador

Primera composición para la pieza final

 

Al llegar a esta fase, introduzco los personajes en la composición, y poco a poco voy puliendo los detalles de la ropa, el rostro y el fondo. Mi estilo es muy angular, lo cual ayuda a conseguir la atmósfera misteriosa y gótica que busco. Y también me interesa que las telas tengan cuerpo y peso.

 

 

7. Textura y tono

Líneas finales, acuarelas y valores

 

Entinto la versión final en una nueva hoja y agrego una aguada en acuarela para la textura y el sombreado. Normalmente la dejo en tonos grises con acuarela negra muy aguada. Una vez que se seca, la escaneo y, en digital, trabajo los tonos y los valores preparando la imagen para aplicarle el color. Esclarecer los valores en esta frase temprana de grises es muy útil para ver el contraste.

 

 

8. Color

Terminando los colores

Los colores finales se aplican usando las herramientas de selección y de corrección de tono, saturación, balance de color y de nivel. El proceso de selección y de color lleva su tiempo. Durante este proceso, algunos detalles se llevan a un segundo plano aplicando colores menos saturados, mientras que otros se traen hacia el primer plano con colores más oscuros y ricos. Me gusta destacar algunos detalles con un color de contraste, como el carmín, el verde oliva o un óxido naranja, porque me cautiva el aspecto vintage otoñal que evocan estos colores.

 

 

9. Imagen final

Al terminar la ilustración, combino todas las capas en una y ajusto ligeramente los colores con las herramientas de corrección de tono y saturación para, finalmente, ajustar los tonos con la corrección de nivel. Me gusta que mi trabajo tenga bastante contraste, destacando la figura central y particularmente su cara o el lenguaje corporal.

 

 

10. Conclusión

Aunque mi trabajo presente una fuerte influencia de la Era de oro de la ilustración y de la estética victoriana, en general es un género de magia y fantasía, porque disfruto explorando temas sobrenaturales. Monstruos, espectros y todo tipo de extrañas criaturas fantásticas aparecen repetidamente en mis obras. Me gusta mostrar el lado cómico o romántico de esos personajes, sin salir del estilo gótico y misterioso.

 

 

 

Abigail Larson
www.abigaillarson.com